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DanZa 

en escena 

REVISTA DE LA CASA DE LA DANZA _ Nº 24 ABRIL-JUNIO de 2009 

Iker Murillo 

* CARLOS LABIÓS * CND2 * RICHARD CRAGUN * GYÖR BALLET * ANTONIO MÁRQUEZ

"Mensaje del Día Internacional de la Danza 29 de abril 2009" 

Este día tan especial, el Día Internacional de la Danza, está dedicado al único lenguaje que cada uno de 

nosotros sabe hablar en este mundo, el lenguaje inherente al cuerpo y al alma, el de nuestros antepasados 

y el de nuestros hijos. 

Esta jornada está dedicada a cada uno de los dioses, gurús o antepasados que nos hayan inspirado o enseñado 

en el pasado. Al canto y al impulso que en algún momento nos haya invitado a movernos. 

Está dedicada al bebé que quisiera poder moverse como lo hace su ídolo, y a la madre que le dice "ya eres 

capaz de hacerlo". 

Esta jornada está dedicada a todas las personas, sin tener en cuenta religión, color o cultura para que 

transforme las tradiciones de su pasado en historias del presente y en sueños de futuro. 

Esta jornada está dedicada a la Danza, a sus múltiples expresiones y a su inmensa capacidad de expresar, 

de transformar, de unir y de disfrutar. 

Akram Khan 

Pag.6 

Pag.14 

SUMARIO 

4 EDITORIAL: Más moderno que el Futuro 

Carlos Traspaderne 

5 EL FUTURO CASI UNA INCOGNITA 

Víctor M. Burell 

6 PORTADA: Iker Murillo 

Iratxe de Arantzibia 

10 La CND2 cumple 10 años 

12 ENTREVISTA: Carlos Labiós 


15 Los "Ballets Russes de Sergei 

.....Diaghilev" en Logroño. 

Perfecto Uriel 

16 Richard Cragun en México 

Manuel Hidalgo 

18 Oskar Schlemmer y el Ballet Triádico 

Daniela Reyes 

20 Palacio Euskalduna 


22 CRÍTICAS: 


24 Gustavo R. Santano 

Céli Barbier 

26 Antonio Monllor 

Javier Bagá 

28 PERSONAJES: Antonia Mercé y Néstor 

Mercedes Albi 

30 C.P.M.D. de Ribarroja del Turia 

Amparo Ruiz 

32 MEDICINA Y DANZA: 

Síndrome de los isquiotibiales cortos 

Antonio Díaz Pérez 

33 LA COLUMNA: Un minuto para la Danza 

Gabriel Martín Olivares 

33 LA TIRA: El Ballet Chonchoi 

Fredy Rodríguez 

34 UNESCO: Consejo Internacional de la Danza 

35 Libros / Donaciones para el Museo 

35 Actividades de la Casa de la Danza 

36 CALENDARIO 

37 VITRINAS ABIERTAS: Antonio Márquez 

Ana Isabel Elvira 

38 BREVES 

Pag.23 

Pag.37

editorial 

MÁS MODERNO QUE EL FUTURO 

Pablo Ruiz Picasso pinta Las señoritas de Avignon en el verano de 1907. Cien 

años. Filippo Tomasso Marinetti publica su primer manifiesto futurista en Le 

Figaro el 20 de febrero de 1909. Cien años. La Modernidad, ese muchacho 

insolente, bello como la velocidad, se ha convertido hoy en una anciana anestesiada 

entre librerías polvorientas y cementerios del arte. Aún así siempre esconde 

anécdotas ocultas, piedras miliares entre sus arrugas para fascinarnos con su clarividencia. 

Leo en el periódico que se cumple un siglo del debut el 18 de mayo de 

1909 de la compañía de los Ballets Russes del visionario Sergei Diaghilev en el 

Teatro Châtelet de París. Cien años de modernidad para la danza. Si Kandisnki 

creaba sus atonales sinfonías pictóricas acunado por Schoenberg, Diaghilev creaba 

sus experiencias (así podrían llamarse a sus instalaciones alejadas del "teatro 

bailado" anterior) mezclando simbióticamente a autores de todos los órdenes: 

pintores como Picasso, diseñadores como Leon Bakst y Alexander Benois, compositores 

como Debussy, Satie, Rimsky-Kórsakov, Stravinski y Prokofiev, bailarines y 

coreógrafos como Vaslav Nijinsky, Anna Pavlova y Tamara Karsavina, coreógrafos 

como Fokine, Balanchine y Massine, escritores como Jean Cocteau. Es decir, pura 

vanguardia para crear obras orientalistas y ensoñadoras, radicales y extrañas que 

retroalimentaron a muchos artistas, inspirándoles con su extraña belleza. 

De repente, me asalta ese topónimo, dibujado tan familiarmente entre las líneas 

de la noticia. Lo reconozco sin falta de leerlo: Logroño. Un momento… ¿Logroño 

¿En una noticia sobre la Modernidad No puede ser, pero ahí está navegando 

entre las letras. Esa compañía rusa, que como el filo de la cuchilla atravesó la 

Historia para crear un arte nuevo combinación del libre flujo del movimiento con 

la unión de la poesía, la música y el ritmo teatral había recabado en Logroño en 

alguna de sus varias giras por España, con sus baúles desbordantes de diseños 

matissianos y corcheas fallescas. 

Y es como una magdalena de Proust pero sin recuerdos infantiles, sólo imágenes 

mudas y una pregunta elusiva. Se proyecta ese Logroño de principios de siglo, tan 

bien retratado por la cámara de Víctor Lorza: aún encorsetado por las líneas de 

sus antiguas murallas, pequeño y ensimismado, rural y burguesito a un tiempo, 

paseando a dieciséis fotogramas por segundo en un Espolón repleto de bigotes 

enroscados y sombreros de paja. Desde mi más completa ignorancia de lo que 

sucedió en aquella lejana visita, no conociendo fechas, ni participantes, ni asistencias, 

ni críticas, me asalta la Cuestión: ¿qué sintió aquel logroñesito medio sentado 

ante tal espectáculo cinético y exótico, fauvista y rupturista ¿Rechazo o fascinación 

No lo sé, tal vez estas páginas me (nos) respondan, pero sé una cosa. 

Que aquel Logroño de hace cien años era mucho más moderno que el de ahora. 

Y si no me creen, dense una vuelta. 

DanZa 

en escena 

Nº24 

ABRIL_ MAYO_ JUNIO_ 2009 

EDITORA: Mila Ruiz 

COORDINADOR: Perfecto Uriel 

CONSEJO DE REDACCIÓN: Mercedes Albi, 

Iratxe de Arantzibia, Victor M. Burell, 

Ana Isabel Elvira, Nélida Monès, Fredy 

Rodríguez, Mila Ruiz y Delfín Colomé 

(miembro honorífico) 

COLABORADORES: Mercedes Albi, Javier 

Bagá, Miguel Blanco, Céli Barbier, 

Antonio Díaz, Manuel Hidalgo, Gabriel 

Martín, Daniela Reyes, Amparo Ruiz, 

Carlos Traspaderne. 

FOTOGRAFÍA: Josep Aznar, Miguel 

Blanco, Amets Badiola, Rosalie 

O’Connor, Fernando Marcos, Jesús 

Rocandio, Mila Ruiz, Peter Schnetz, 

Amir Sfair Filho. 

ILUSTRACIONES: 

Sol Undurraga. 

IMPRENTA: ABZ Impresores. 

MAQUETACIÓN Y PUBLICIDAD: 

Rampa Ediciones Culturales. 

DIRECCIÓN: Casa de la Danza, 

Rua Vieja 25, 26001 Logroño (La Rioja) 

Telf: 941 246 365 

Fax: 941 246 749 

MAILS: 

Mila Ruiz: danzaenescena@hotmail.com 

Perfecto Uriel: revista@casadeladanza.com 

DL: LR-249-2005 

(Las colaboraciones son gratuitas y 

responsabilidad de sus autores) 

*Danza en escena puede adquirirse de 

forma gratuita en la Casa de la Danza 

©Jesús Rocandio 

Carlos Traspaderne. 

Madrid, marzo de 2009. 

PORTADA: Iker Murillo ©Ballet de Zurich

EL FUTURO CASI 

UNA INCÓGNITA 

Por Víctor M. Burell 

“Juventud” 

“Madurez” 

Cada día nos parece tan natural como el bostezo y el 

estiramiento del despertar. Todo recomienza, las más 

de las veces sin alternativas, bastante neutro. El factor 

aventura se teme y se rechaza. El siglo XXI parece tener escrito 

un reglamento sin sueños y casi sin otros sobresaltos que 

los que nos da la economía o las frecuentes pérdidas de 

salud. El amor es harina de otro costal, una hecatombe poco 

previsible por falta de análisis, que nos suele coger desprevenidos 

por la generalizada manía de no pensar. 

Cuando algunas de estas cosas han sucedido (puesto que las 

rupturas son tempranas), y en parte la desesperanza y en 

parte la costumbre se han adueñado de nosotros, hemos 

entrado en la patética curva de la vejez aunque tengamos 

veinte años. 

El tiempo no existe, el nuestro pues tampoco. ¿Duran acaso 

dos días de angustia lo mismo que dos de felicidad ¿Cómo 

se cuentan los momentos a una edad temprana frente a otra 

madura. El acercamiento a la meta deja por fin de ralentizar 

los relojes. 

Pero °hay tanto por hacer sin destruir siniestramente!. 

Sabemos que el mundo pasa fases milenarias como nosotros 

las cuentas de un ábaco, por lo que nuestro destino sería ayudar 

a la naturaleza en lugar de obstruirla, que es lo que habitualmente 

hacemos. ¿No os suena lo del cambio climático 

provocado. Vivimos de soles y de lunas; de frío y de calor; 

de lluvia y sequedad; de tierras y de mares. ¿Dónde está la 

salida para este capitán atado por la muerte La Naturaleza, 

de la cual formamos una mínima parte, es la respuesta, aprovechable 

por supuesto pero no destruible. 

Me llega la noticia de que La Casa de la Danza de Logroño 

se dispone a repoblar el espacio de un hermoso parque consciente 

de la deuda que tenemos con el medio ambiente, en 

fin, una lección de esperanza que deberíamos imitar. 

Los incendios de bosques, casi siempre provocados por la 

voracidad de la especulación, tienen al fin un oponente entusiasta 

que los denuncia con su acto constructivo. Parece que 

la elección del árbol que va a plantarse reúne además una 

serie de connotaciones que hablan del tiempo y para el tiempo, 

sustituyendo las piedras por colchonetas de plumas en 

donde las caídas tienen tintes de reposo. 

El "ginkgo biloba", que va a alfombrar Logroño de historia, 

cuenta con todos los símbolos de la contumacia y todas las 

estratagemas del tiempo vencido. El llamado "árbol único", 

procedente de China, ha conquistado otros lugares de la tierra. 

Se trata de un fósil viviente por lo que demostrada su longevidad 

nos sorprende con su eterna juventud. ¿Dónde está 

pues el tiempo cuadriculando las mentes. ¿No se trata más 

bien de un aire sin años, casi como un dios sin materia. Los 

hombres somos dioses que sembramos la memoria para 

tener el conocimiento como signo. Solamente la pasión por el 

poder y la riqueza pueden olvidarse de tanta gloria. 

El árbol, cuadrifolio de mediana estatura y crecimiento piramidal, 

apunta al cielo, y sus propiedades farmacológicas 

siguen teniendo relación con el "tiempo" puesto que es portador 

de energía, facilita la circulación e impide la acumulación 

de las plaquetas evitando las trombosis e incluso, posiblemente, 

llegaría a dominar el "alzheimer". En fin la juventud y el 

ginkgo biloba caminan sosegadamente juntos por un tiempo 

sin fronteras. 

Cuando las terribles bombas atómicas explotaran sobre 

Hiroshima y Nagasaky, Japón amaneció sin vida. La vejez 

no tenía afeites para disfrazarse, las risas eran muecas de 

dolor esculpidas en las estalagmitas de los muertos, pero el 

árbol, nuestro árbol, sobrevivió al horror, por eso puedo 

anunciar que muy pronto Logroño quedará retoñado con "el 

portador de la energía": el ginkgo biloba…. Y sobre la 

juventud se derramarán cánticos de alabanzas como sobre 

los hijos de Sión. 

Danza en Escena 5 

nº24_2009

©Amets Badiola

PORTADA 

Iker Murillo 

NEOCLÁSICO POR DEFINICIÓN 

Por Iratxe de Arantzibia 

DULCE MOMENTO PROFESIONAL DE IKER MURILLO, PRINCIPAL DEL BALLET DE 

ZURICH, RECIENTEMENTE NOMINADO COMO 'BAILARÍN DESTACADO DE 2008' 

La prestigiosa revista alemana 

"Ballettanz" le ha nominado como 

'Bailarín destacado de 2008'. Pero 

no es la primera vez. Hace siete años 

ya recibió esta nominación como 

'Joven talento'. A sus treinta años, Iker 

Murillo (Pasaia, Gipuzkoa, 1978) atesora 

tras de sí una importante carrera 

profesional hasta convertirse en 

Bailarín Principal del Ballet de Zurich. 

Sus inicios en la danza se encuentran 

directamente ligados con la danza tradicional 

vasca, pero a los doce años, 

comenzó su formación clásica. En esta 

etapa, tuvo mucho que ver la mano de 

la docente donostiarra Mentxu Medel, 

profesora de una buena cantera de 

estrellas guipuzcoanas como Jone San 

Martin (The Forsythe Company), Urtzi 

Aranburu (Repetidor y ex bailarín de 

Nederlands Dans Theater), Lucia 

Lacarra (Bailarina Principal del Ballet 

de la Ópera de Munich), Jon Vallejo 

(Solista del Ballet de la Ópera de 

Dresde), Asier Edeso (Ballets de Monte- 

Carlo) y Ion Agirretxe (Corella Ballet- 

Castilla León). "Mentxu fue una gran 

ayuda a la hora de continuar mi formación 

y también fue muy generosa. 

Cuando vio que no me podía enseñar 

nada más, fue cuando decidimos que 

fuera a Madrid para completar mi formación. 

Es una gran profesora y ello 

se vio muy claro en la gala Thalia de 

2006, con la cantidad y calidad de 

estrellas que estuvimos sobre el escenario 

del Auditorio del Kursaal", asegura 

el pasaitarra. 

Una beca de la Diputación Foral de 

Gipuzkoa le llevó, con dieciséis años, a 

la Escuela de Carmen Roche, en 

Madrid. Allí permaneció dos años, en 

los que se produjo su debut escénico. 

"Carmen Roche fue mi primera profesora 

fuera de casa. Recuerdo que hicimos 

el paso a tres de "Cascanueces", 

una escena graciosa, y está grabado 

mi ensayo y se ve cómo Carmen 

Roche se esconde para que yo no le 

vea que está ahí", sonríe mientras 

rememora esa anécdota con multitud 

de detalles. A punto de cumplir la 

mayoría de edad, Iker Murillo se encaminó 

hacia Alemania, para finalizar su 

formación en la Escuela de John 

Cranko (Stuttgart), en la que coincidió 

con otros paisanos como Alicia 

Amatriain (Bailarina Principal del 

Stuttgart Ballet) y Jorge Nozal 

(Nederlands Dans Theater). "Ir a 

Alemania fue un gran paso, para 

alguien que tenía 17 años. Otro país, 

un idioma nuevo. No fue fácil adaptarse. 

Ahora pienso cómo pude hacer 

aquello a esa edad. La escuela, a 

parte de una sólida técnica rusa, 

supuso estar mañana y tarde trabajando, 

lo que significaba que la cosa 

era más seria", añade. 

SAARBRÜCKEN, DEBUT PROFESIONAL 

La pequeña localidad de Saarbrücken, 

capital del estado federal de Sarre, en 

Alemania, fue el primer destino profesional 

del intérprete guipuzcoano. En el 

Ballet de la Ópera de Saarbrücken permaneció 

de 1997 a 2001. "Obtener mi 

primer contrato en Saarbrücken, una 

compañía neoclásica, me sirvió para 

entrar en contacto con el mundo profesional 

y para reafirmarme en mi 

deseo de ser bailarín", incide Murillo. 

Su primera experiencia como profesional 

le reportó grandes enseñanzas 

como el aprendizaje de los entresijos 

de una compañía. "No tenía ni idea de 

cómo era una compañía y ahí es 

dónde tienes que empezar a demostrar 

que vales. Me acuerdo de que 

había cosas que tenía que aprender 

como a respetar a los compañeros o el 

trabajo en grupo. La gente cree que 

existe mucha competitividad en la 

danza y quizá haya contribuido a ello 

la imagen que se da en determinadas 

películas. Sin embargo, en general, 

prima el compañerismo. Al fin y al 

cabo, todos estamos fuera de casa y 

nos tenemos que ayudar los unos a los 

otros". El cambio de director le hizo 

plantearse un nuevo rumbo. Esta vez, 

el salto fue mayor: el Ballet de Zurich. 

"Apareció por casualidad, porque 

Saarbrücken cambió de director y eso 

fue un empujoncito y, a través de una 


nº24_2009

©Josep Aznar 

amiga, envié el curriculum y me salió 

el contrato muy rápido". 

©Peter Schnetz 

La mayor ciudad de Suiza y que, además, 

ostenta el título de ciudad con 

mayor calidad de vida en el mundo en 

dos ocasiones consecutivas (2006- 

2008), se convirtió en el hogar del 

pasaitarra hace ocho años. Allí, en la 

compañía dirigida por Heinz Spöerli, 

ha ascendido a la categoría de Solista 

(2004) y recientemente, Principal 

(2008). "Es un orgullo ser miembro del 

Ballet de Zurich, porque es una de las 

compañías más importantes del 

mundo. Hacemos un repertorio clásico, 

neoclásico y contemporáneo. La 

compañía principal está formada por 

45 bailarines. El repertorio es, principalmente, 

neoclásico y, cada año, 

montamos una obra clásica como 

"Cascanueces", "Giselle", "Coppelia" o 

"Sylphide". Además de piezas de 

Heinz Spöerli, director de la compañía, 

trabajamos con otros coreógrafos. 

También tenemos algo de repertorio 

contemporáneo con obras como 

"Orma" de Mauro Bigonzetti y "Skewwhiff" 

de Paul Lightfood y Sol León". El 

trabajo es la clave de su progresión 

profesional, al menos, para el bailarín, 

es una certeza absoluta. "Cuando fui 

nombrado Solista en 2004, sentí una 

8 Danza en Escena 

nº24_2009

PORTADA 

evolución en mi carrera, sobre todo, 

por contar con la confianza de mi 

director. Ser Bailarín Principal significa 

que te valoran todo lo que has trabajado. 

Es una etapa a la que he llegado 

por mi trabajo, pero sigo siendo 

el mismo de siempre", asegura con 

sencillez. 

UN PUEBLO ORGULLOSO 

Si de algo no se puede quejar Iker 

Murillo es del apoyo constante de su 

localidad natal, Pasaia, un municipio 

costero y portuario de unos 16.000 

habitantes, quienes se sienten muy 

orgullosos de su ilustre vecino y él les 

corresponde con un sentimiento recíproco. 

"Me siento orgullosísimo de ser 

pasaitarra y siento que los pasaitarras 

me apoyan. Lo último gracioso que me 

ocurrió fue que una cuadrilla me compuso 

un verso en las fiestas de San 

Fermín. Fue súper bonito sentir que el 

pueblo está orgulloso de mí. Cada vez 

que vengo, la gente me pregunta a ver 

cuándo vamos a actuar aquí", dice con 

una mezcla de añoranza y reproche 

hacia los programadores. 

Los últimos años, Iker Murillo se ha 

prodigado más en los escenarios de su 

tierra: Gala 25 Aniversario del Estudio 

de Danza 'Thalia' (Kursaal, San 

Sebastián, 2006), 2ª Gala 'Los vascos 

y la danza' (Euskalduna, Bilbao, 2007), 

Gala 'Aukeran 10 urte' (Teatro Victoria 

Eugenia, San Sebastián, 2008). 

"Actuar en San Sebastián, concretamente 

en la gala benéfica del estudio 

de danza Thalia, fue una gran experiencia 

largamente soñada y que me 

gustaría volver a repetir. El nuevo 

Teatro Victoria Eugenia sería una 

magnífica oportunidad para organizar 

una gala de bailarines guipuzcoanos. 

Realmente, me haría mucha ilusión 

poder volver a compartir escenario 

con otros grandes bailarines guipuzcoanos 

como Urtzi Aranburu, Jone 

San Martín, Lucía Lacarra, Alicia 

Amatriain, Itziar Mendizabal y un 

largo etcétera. Somos tantos los que 

estamos fuera", asegura. "En el 

extranjero, la danza está muy, muy 

reconocida, a leguas de aquí. Todas 

las semanas tienen tres actuaciones 

de ballet, más la ópera, y se venden 

todas las entradas. Allí ves a niños 

pequeños que van a ver espectáculos 

al teatro. La vida es completamente 

diferente. Te respetan como artista; 

dices que eres bailarín y te adoran. 

Aquí dices que eres bailarín y te preguntan: 

¿de qué ¿de la tele El problema 

es que aquí no hay tradición", 

continúa reflexionando el intérprete 

guipuzcoano. 

PREMIO REVELACIÓN 

DE GIPUZKOA 2008 

Consciente del cariño de su tierra, el 

año pasado, los profesionales de la 

danza de Gipuzkoa le otorgaron el 

Premio Revelación 2008, que recibió 

en un cálido acto, en el que también 

fueron destacadas la Trayectoria de 

Iratxe Beorlegui (Primera Solista de la 

Compañía Nacional de Danza de 

México) y la Dedicación a la Danza de 

Hilde Koch (Ex Bailarina del Stuttgart 

Ballet y Frankfurt Ballet, y repetidora de 

Danza). "Me satisface que hayan valorado 

mi trabajo, también, es especial 

por el hecho de ser en San Sebastián 

y que los profesionales de mi tierra se 

acordaran de mí. Somos muchos los 

bailarines que estamos fuera y a ver si 

nos dan la oportunidad de enseñar lo 

que hemos aprendido; además, el 

público está deseando venir a vernos 

bailar", comenta. 

Con el paso del tiempo, Iker Murillo ha 

aprendido a controlar todo lo que 

rodea al hecho escénico. "Con los 

años, notas que tienes más seguridad 

en todo. Ahora, me hace gracia ver 

cómo se lo toma la gente joven. Poco 

a poco, vas conociendo tu cuerpo y tus 

límites. El nervio está ahí; cada vez, 

estás más a gusto y controlas todo 

mejor", añade el bailarín. A lo largo de 

su carrera sobre los escenarios, 

muchas han sido las piezas que han 

marcado pequeños hitos para Iker: "In 

den winden im nichts" (Heinz Spoerli), 

"In the middle" y "Artifact" (William 

Forsythe), "Skew whiff" (Paul Lightfood- 

Sol León), "Petite mort" y "Bella figura" 

(Jirí Kylián), "Orma" (Mauro 

Bigonzetti)…En este punto de su trayectoria 

profesional, Iker Murillo, plenamente 

satisfecho, paladea un momento 

feliz, en que tiene claro qué es y de 

dónde viene. "Soy un bailarín neoclásico, 

abierto a aprender siempre cosas 

nuevas, aunque mi predilección es el 

lenguaje neoclásico. Estoy en un 

momento muy dulce, porque veo que 

sigo creciendo como bailarín y que mi 

carrera profesional es lo que siempre 

había soñado; además, no he tenido 

ninguna lesión importante y veo que 

todo me va bien", finaliza, manteniendo 

una límpida mirada de felicidad 

desde sus cristalinos ojos azules. 

©Josep Aznar 


nº24_2009

La CND2 cumple 10 años 

En 1999 arrancó uno de los proyectos 

más gratificantes para Nacho Duato. 

Con la compañía principal ya afianzada 

en el panorama artístico nacional e internacional, 

su siguiente paso fue la creación de la 

Compañía Nacional de Danza 2. Para ello 

puso al frente de ella a Tony Fabre, antiguo 

bailarín de la CND. Y el proyecto fue cogiendo 

cuerpo. 

Con el objetivo de formar y preparar a bailarines 

para la vida profesional, la CND2 es un 

nexo de unión entre los conservatorios y 

escuelas de ballet y las compañías profesionales 

como la CND. Su repertorio está formado 

predominantemente por obras de Nacho 

Duato al que se han ido incorporando trabajos 

de coreógrafos jóvenes y prometedores. 

Esto ha proporcionado a los bailarines la 

oportunidad de seguir muy de cerca las nuevas 

tendencias y de incorporar esos elementos 

a nuevos montajes. 

A lo largo de estos 10 años han pasado por 

la CND2 un total de 68 bailarines de diferentes 

nacionalidades que ahora están trabajando 

en compañías destacadas de todo el 

mundo como son el Nederlands Dans Theater, 

Basler Ballet, Ballet de L'Opéra de Lyon, Ballet 

National de Marseille, Les Ballets de Monte- 

Carlo, Les Grands Ballets Canadiens de 

Montréal, Hubbard Street Dance Chicago… y 

por supuesto, la Compañía Nacional de 

Danza. Han sido 10 años de estrenos, giras 

(ciudades y pueblos de toda España, New 

York, Los Ángeles, Philadelphia, Boston, 

Montreal, Roma, Rabat, Estambul, Praga…) y 

trabajo, mucho trabajo. Acompañado todo de 

una gran acogida de público y el elogio unánime 

de la crítica. 

Texto: Danza en Escena 

Fotografías: Fernando Marcos 


nº24_2009 

Duende

Kol Nidre 

Cor Perdut 

Érase

ENTREVISTA 

Carlos Labiós 

UN CHICO LLAMADO MERCUZIO 


La transición del escenario a la 

docencia no le ha resultado difícil. 

Quizás porque este bailarín valenciano 

tomó la complicada decisión de 

cambiar su orientación profesional 

cuando aún estaba en óptimas condiciones 

como intérprete. A Carlos 

Labiós (Valencia, 1977) su carrera 

como bailarín le ha afincado en lugares 

tan dispares como París, México 

D.F., Roubaix, Amberes y Lisboa. La 

culpa de su inicio en la danza la tuvo 

su hermana y, sobre todo, la impresión 

que le produjo la película "Paso decisivo" 

(1977), en la que Mikhail 

Baryshnikov poseía un papel destacado. 

"Hacer algo y que la gente se 

vuelva loca con ello, tiene que ser 

increíble", pensó el intérprete valenciano. 

Y además, las condiciones 

naturales le acompañaron, lo que se 

tradujo en que el joven Labiós hizo la 

carrera en Valencia, pero gracias a 

una beca, completó su formación en la 

Escuela del English National Ballet. 

Con veinte años, obtuvo su primer 

contrato profesional con el Jeune 

Ballet de France (1997-1998), "en la 

compañía no había un cuerpo de 

baile, sino que éramos 14 solistas, y 

fue la mejor escuela de solista que he 

tenido, con una media de 200 espectáculos 

de pasos a dos. Éramos jóvenes 

queriendo bailar. Como primera 

experiencia profesional, fue muy 

buena. Después de un año, adquirí 

unas tablas increíbles". Una gira por 

Centroamérica puso ante sus ojos el 

siguiente destino: la Compañía 

Nacional de Danza de México (1998- 

1999), "hice roles en "Coppelia", 

"Carmina Burana", "Cascanueces", 

"Don Quijote", "Raymonda", y "El 

lago de los cisnes" en el escenario 

natural de Chapultepec. La parte 

complicada fue la dificultad de estar 

en el país; la parte de la danza, la 

recuerdo muy bien", rememora 

Labiós. 

Y otro golpe del destino le llevó al 

pequeño municipio francés de 

Roubaix, lugar donde radica el Ballet 

du Nord (1999-2002), la primera 

experiencia contemporánea del valenciano, 

"me preocupaba por ser contemporáneo 

puro. La clase era de clásico 

y el resto contemporáneo. El primer 

mes lo pasé mal, porque pensaba 

que nunca podría hacerlo y luego 

llegué a ser solista", asegura. Después 

de tres años en su faceta más contemporánea, 

le costó volver a adaptarse al 

clásico, en su breve estancia en el Real 

Ballet de Flandes (2003), antes de 

acceder a la Companhia Nacional de 

Bailado de Portugal, CNB (2003- 

2007), en la que finalizó su carrera 

como bailarín. "Llegué a Portugal sin 

conocer nada, lo único que conocía 

era el Ballet Gulbenkian. Mehmet 

Balkan -director de la CNB- ve cosas 

en mí y me dice que quiere trabajar 

conmigo. Hago muchísimos papeles 

como el Mercuzio de "Romeo y 

Julieta", el bufón de "El lago de los 

cisnes". De clásico, son los roles que 

más me han llenado, porque era yo, 

llevaban algo mío. En Portugal, he 

bailado muchísimo y en 4 años he 

tenido multitud de experiencias". 

UNA DÉCADA EN LOS ESCENARIOS 

Diez años ha permanecido en escena 

Carlos Labiós en su periplo profesional. 

Ha bailado diferentes estilos y, sobre 

todo, ha disfrutado y hecho disfrutar a 

muchos públicos de diversos lugares. 

"He vivido 10 años muy intensos. 

Buscaba estar en el escenario. En el 

fondo, como bailarín, creo que soy 

más contemporáneo que clásico, pero 

soy un híbrido. Me gustan las cosas 

bien hechas. No me quiero subir a un 

escenario para hacer cosas que no 

estén a mi alcance o, al menos, que yo 

así lo crea". 

Su sentido del humor innato no le aleja 

de un hondo realismo, "en absoluto me 

siento profeta en mi tierra, porque he 

pasado 15 años fuera de Valencia; 

aunque me sentí muy feliz cuando 

bailé en el Palau de la Música de 

Valencia, en 2007". 

Las oposiciones del Conservatorio 

Profesional Municipal de Danza de 

Ribarroja del Turia (Valencia) aparecieron 

como caídas del cielo. Era hora de 

dar un nuevo cambio a su rumbo profesional. 

"Tengo 30 años, soy joven 

para dar clase y no tan joven para bailar. 

Me planteo si ya he bailado todo 

lo quería y estoy saturado de la situación 

de Portugal. Pido una excedencia, 

porque me pesa la rutina: claseensayo-espectáculo. 

¿Por qué no voy 

a enseñar Hago la prueba y me 

cogen. Lo hablé con Carlos Pinillos - 

Bailarín Principal de la CNB- y él me 

aconsejó que no era una oportunidad 

que pasaba todos los días. Y así vuel- 


nº24_2009

ENTREVISTA 

Un solista valenciano dedicado a la enseñanza 


nº24_2009

ENTREVISTA 

vo a Valencia. Resulta increíble para un 

bailarín poder decidir sobre su futuro. Sin 

quererlo, me había llegado la oportunidad. 

He dejado de bailar por decisión propia 

y no por imposibilidad física o lesión". 

Reconoce añorar el escenario, aunque no 

echarlo de menos, porque "cuando terminas 

un espectáculo, tienes un subidón de 

adrenalina que dura 10 minutos; te quitas 

el maquillaje, sales a la calle y la sensación 

casi ya no está. Cuando das clase, 

ese subidón lo tengo constantemente; es 

una lucha continua para ver cómo puedo 

enseñarles a mis alumnos. Son mis primeros 

años de profesor". 

LA ETAPA DE LA DOCENCIA 

Clásico, técnica de varones, puntas, repertorio 

y taller coreográfico son las materias 

que imparte Labiós en Ribarroja del Turia. 

"Ahora veo la importancia de las enseñanzas 

de los profesores y entiendo por 

qué me decían esto o lo otro. Creo que 

ahora giro mejor que antes (ríe); ahora 

soy yo quien enseña a girar". Aportar su 

experiencia sobre los escenarios es un plus 

adicional a las enseñanzas para sus alumnos, 

"haber bailado me permite contar a 

los alumnos qué pasa en los camerinos o 

los entresijos de la profesión. Hay cosas 

que si no has estado encima de un escenario, 

no puedes saberlas". 

Hablar con él de su nueva etapa es descubrir 

su entusiasmo por cada uno de los 

detalles del Conservatorio valenciano. 

"Tenemos un buen proyecto, dirigido por 

la ex bailarina del Ballet Nacional 

Amparo Ruiz. Somos gente que ha estado 

en un escenario. Tenemos muchas ideas y 

proyectos; de hecho, hemos realizado un 

intercambio con la escuela del Ballet du 

Nord", añade. Dentro de unos años le gustaría 

que sus alumnos "bailaran por ahí y 

que reconocieran que tuvieron un profesor 

que les metió el gusanillo", porque 

"intento inculcarles el interés por la 

danza". 

En la casi siempre difícil transición del 

escenario a la docencia, Carlos Labiós es 

un ejemplo de cómo realizar ese camino 

sin dejar asignaturas pendientes por el 

camino. "Mi carrera sí ha sido justa, porque 

tengo la cabeza sobre los hombros. 

Nunca he sido una estrella. Lo que he 

conseguido es lo que quería. Hay que 

tener los pies en el suelo. He dado el 

máximo y estoy feliz por ello. No me 

quedo con ninguna espina", concluye el 

valenciano que no desecha subirse a un 

escenario de manera puntual. 

Mercuzio en Romeo & Julieta 

Carlos impartiendo clase en Ribarroja 

©Amir Sfair Filho 


nº24_2009

LOS "BALLETS RUSSES 

DE SERGEI DIAGHILEV" 

EN LOGROÑO 

Por Perfecto Uriel 

Hace ya noventa años que los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev recalaban en 

la capital de La Rioja. Las representaciones tuvieron lugar los días 17 y 19 de 

abril de 1918 en el Teatro Bretón de los Herreros. En las memorias de la primera 

bailarina inglesa que formó parte de la prestigiosa compañía, Lydia 

Sokolova (Hilda Munnings), tituladas "Bailando con Diaghilev", relata con detalle 

estas actuaciones cuyo extracto transcribimos a continuación: 

Lydia Sokolova y Anton Dolin en Le Train bleu 

Logroño es un lugar delicioso, famoso 

por su vino, pero por los supervivientes 

será rememorado por otra 

razón. Habiendo conseguido todos alojarnos, 

mal que bien, en un pequeño 

hotel, donde nos ofrecieron cálida bienvenida, 

dimos una vuelta al diminuto 

teatro. Encontramos en él a Grigoriev y a 

Kremmen, en acalorada discusión con el 

empresario, que habían vendido hasta la 

última entrada haciendo correr el rumor 

de que íbamos a representar la "escandalosa 

Scherezade" y se resistía a aceptar 

a cambio "Carnaval". Los españoles 

se sentían fascinados por la idea de ver 

un ballet que tratara de esposas infieles 

con esclavos negros en una orgía seguida 

de violenta retribución ¿Cómo íbamos 

a poder ofrecer Scherezade sin el 

escenario, los trajes, y demás (que 

siguieron camino hacia Zaragoza). 

Indudablemente el empresario pensaba 

que, según la tradición de los cómicos 

ambulantes, debíamos ser capaces de 

presentar cualquier espectáculo solicitado 

en un abrir y cerrar de ojos. El escenario 

era minúsculo, pero no podíamos 

marcharnos sin nuestro dinero, así que 

era preciso hacer algo. Por fortuna, la 

caja que contenía las partituras musicales, 

por ser algo de inmenso valor viajaba 

siempre con nosotros. Buceamos en 

el baúl adicional que contenía una serie 

de cosas y decidimos sacar el mayor 

partido posible de la situación. 

°No es posible que se vuelva a representar 

un ballet como el que hicimos con 

nuestra "Scherezade" en Logroño! 

Utilizamos el decorado de "Carnaval", 

que eran unas simples cortinas azules, 

con una greca pintada alrededor, y que 

solo contenía una abertura en la parte 

posterior. Grigoriev, en el papel de 

Súltan, llevaba el traje de Idiokowski en 

"El pájaro azul" y como su estatura era 

superior en dos pies a este, no puedo 

imaginar como llegó a introducirse en 

él; supongo que la respuesta es que no 

lo llegó ha hacer del todo. Sus largas 

piernas, que nadie hasta entonces 

había contemplado, con unos elásticos 

coronados por pantalones bombachos y 

botas de media caña de "El príncipe 

Igor", bastaban por sí solas para que el 

espectáculo provocase en el público una 

risa incontenible. Pero, para colmo, 

tenía que llevar el sombrero de 

Lopokova en "El pájaro azul" adornado 

con tres grandes y multicoloreadas plumas 

de avestruz. En su papel Zobeida, 

Tchernicheva llevaba el corpiño de una 

antiguo vestido para "Cleopatra", en su 

cabeza llevaba un turbante hecho con 

una vieja bufanda, y la parte inferior de 

su cuerpo quedaba cubierta por una 

falda de "El príncipe Igor". En su papel 

como eunuco Kremnev llevaba una 

larga camisa egipcia con dibujos en zigzag 

de "Cleopatra", sin cinturón ni llaves 

que abriesen puertas (…) ya que estas, 

de todos modos, no existían en el escenario. 

Las tres odaliscas llevábamos 

túnicas griegas y el resto utilizó lo que 

pudo hallar. No existían cojines en los 

que reclinarnos, ni espadas que nos diesen 

muerte, ni escalones en los que 

morir. La visión de cada uno de nosotros 

suscitaba en todos los demás risitas contenidas; 

pero lo más divertido que he 

visto en mi vida era Luba (Tchernicheva) 

intentando bailar con Gavrilov. Todos 

estábamos poseídos por la historia, 

pero bailamos como nunca lo habíamos 

hecho hasta entonces y durante la orgía 

el auditorio aplaudió enloquecido. Al 

final, Grigoriev, que se había hecho con 

un viejo espadón, comenzó a patear el 

escenario gritando: "°Morid necios, 

morid en cualquier sitio!". He olvidado si 

me hirió la espada, si morí por autosugestión 

o si un colega benevolente me 

estranguló. Cuando bajó el telón los 

aplausos fueron estruendosos 

°Habíamos triunfado en Logroño! 

A la mañana siguiente, al llegar a la 

estación, descubrimos que el andén 

estaba tan abarrotado que Grigoriev, 

pensando que jamás conseguiríamos 

acomodarnos en el pequeño tren local, 

dado lo numeroso de los pasajeros, 

pasó la voz de que procurásemos instalarnos 

en el furgón de equipajes. 

Cuando el diminuto tren llegó, echamos 

los baúles en el furgón y trepamos todos 

por detrás como pudimos. Al ponerse el 

tren en marcha descubrimos asombrados 

que la multitud continuaba en el 

andén agitando las manos y diciendo 

"Adiós". Casi toda la población masculina 

de Logroño había acudido a despedirnos 

y el tren estaba vacío, salvo en lo 

referente a nosotros. 


nº24_2009

Richard Cragun 

EN MÉXICO 

Por: Manuel Hidalgo 

Hay artistas que son una lección 

viviente tanto en el escenario 

como en su quehacer diario, y 

de cuyo infinito caudal uno puede 

beber aún sin haber tomado propiamente 

una clase con ellos porque cada 

actuación, cada charla, cada actividad 

social que desarrollan está impregnada 

de esa sabiduría, que a la vez se 

manifiesta de un modo natural, sincero 

y consistente. Richard Cragun, una 

de las figuras más importantes en la 

danza del siglo XX y un humanista en 

todo el sentido de la palabra, es uno 

de ellos. 

Después de haber admirado su destellante 

y vivaz actuación en el Petrucchio 

de la "La Fierecilla Domada" durante 

un Festival Internacional de La Habana 

junto a Marcia Haydée, otra leyenda 

viva de la danza, con la que formó una 

de las más famosas parejas de la historia, 

nunca hubiera podido imaginar 

que muchos años más tarde, en mayo 

de 2008 se me presentaría la inigualable 

oportunidad de entrevistarlo en 

México, a donde fue invitado al estreno 

del ballet de John Cranko por parte 

de la Compañía Nacional de Danza. 

Con un nerviosismo que me amenazaba 

con hacer flaquear mi voz al tenerlo 

delante, me dirigí al Hotel Sheraton 

del Centro; a las 10 en punto de la 

mañana, hora de nuestra cita, lo vi 

bajar al vestíbulo con ropa casual y 

proyección inconfundible de bailarín, y 

en el instante en que me saludó todo 

mi sobresalto desapareció ante una 

personalidad sencilla, amable y con 

esa energía que hace parecer que uno 

es amigo suyo desde hace tiempo. 

Desde el principio de la entrevista, de 

cerca de dos horas, en la que estuvieron 

presentes tres primeras figuras de 

la Compañía, se mostró muy complacido 

de compartir sus valiosísimas 

experiencias y conceptos, sin mostrar 

la menor prisa al contestar ampliamente 

cada una de las peguntas en un 

ambiente relajado y cordial, y nos fascinó 

con su amena conversación, matizada 

con toques de buen humor y un 

lenguaje corporal que evidenciaba el 

bailarín de gran talla que fue. 

Comenzó explicándonos que a sus 63 

años ya no baila, pero desde hace 

ocho años ha estado inmerso en una 

bella labor social, reclutando a chicos 

y chicas de entre 15 y 22 años literalmente 

de las favelas de Río de Janeiro, 

para convertirlos en bailarines, dándoles 

clases de ballet clásico-contemporáneo, 

historia de la danza, atención 

médica y alimentación. Con esta cantera 

y la colaboración del coreógrafo 

brasileño Roberto De Oliveira, creó el 

Ballet DeAnima, el cual intentan convertir, 

a pesar de los problemas financieros 

y la falta de apoyo que han tenido, 

en una compañía profesional, con 

obras de coreógrafos como William 

Forsythe y el mismo De Oliveira. 

Acto seguido se refirió a su labor con 

John Cranko, que hiciera varias de sus 

más famosas creaciones para Haydée 

y él, y sobre su experiencia en el Ballet 

de Sttutgart, su más activa época en la 

danza, junto a figuras como Birgit Keil 

y Egon Madsen, así como con Jiri 

Kylian y John Neumeier, que se convertirían 

en dos de los más importantes 

coreógrafos del siglo pasado. 

Igualmente se refirió a su trabajo como 

pareja de Margot Fonteyn, con quien 

llegaría a bailar entre ocho y diez 

ballets, y la relación de amistad que lo 

unió a Rudolf Nureyev. 

A mi pregunta sobre el alto nivel técnico 

existente entre los bailarines del 

mundo, el cual a veces afecta la calidad 

artística en una especie de competencia 

constante por impactar al público, 

Cragun se extendió conectándose 

con los grandes artistas de la danza 

que consideran que la técnica es sólo 

un medio de expresión y no un fin en 

sí misma. Se refirió a sus esfuerzos por 

eliminar esta idea de la pirotecnia "per 

se", para que se logre una mayor concentración 

en la calidad emocional 

interna, en la definición de las posiciones, 

en el estilo. Considera que hay 

Richard Cragun, Marcia Haydée, Georgette Tsinguiride, Luis 

Ortigoza y Marcela Goicoechea. 

Richard Cragun, Marcia Haydée con Andreza y Luis Ortigoza 

“La técnica en la danza es 

un fin en si mismo, no sólo 

un medio de expresión” 

Richard Cragun y Marcia Haydé 


nº24_2009

ailarines maravillosos en este momento. 

"(…) vean a Tamara Rojo por ejemplo.", 

expresó "(…) y a Thiago Soares, 

que es bailarín solista en Royal Ballet 

en Londres y salió de las favelas." 

Piensa que los latinos son muy temperamentales 

y que tienen uno de los más 

grandes potenciales en danza en estos 

momentos; pero que deben encontrar 

refinamiento dentro de la pirotecnia. 

Le pregunto entonces sobre el complejo 

tema del bailarín y el tiempo, cuándo 

retirarse, qué se siente al enfrentar 

esta realidad, y dijo que tuvo la desafortunada 

experiencia de ver a varios 

bailarines continuar bailando más allá 

de sus posibilidades: a Rudolf Nureyev, 

a Margot Fonteyn, a Alicia Alonso, a 

quienes admira por sus largas carreras; 

pero enfatizó que hay un límite; que 

llega el momento de decir adiós; que 

debemos cuidar a los bailarines jóvenes 

y ayudar a los mayores a comprender 

este proceso de cambio, de que 

pasen su valioso conocimiento a la próxima 

generación y que no tengan 

miedo de retirarse. Y con un toque 

jocoso concluye el tema: "Y no llores 

por mí, Argentina." 

Al preguntarle cuáles, en su opinión, 

son las cualidades que debe tener un 

bailarín para ser primera figura de una 

compañía, respondió categóricamente: 

"Musicalidad, físico, estabilidad técnica, 

resistencia, y nuevamente musicalidad." 

Enfatizó la importancia de que 

el bailarín proyecte su danza hasta la 

última fila del teatro y hacia arriba porque 

"Si no, uno está bailando sólo 

para los ricos de las primeras filas". Y 

al referirse entonces a las cualidades 

del director, igualmente fue muy específico 

en que ante todo, "Éste tiene que 

tener experiencia, aunque no necesariamente 

tiene que haber sido bailarín, 

compasión para no herir a los bailarines, 

y a la misma vez, firmeza". 

Cuando se le preguntó cuáles habían 

sido sus roles favoritos, dice que, aunque 

le es difícil responderlo porque hay 

muchos, piensa que ha sido Petrucchio 

de "La Fierecilla Domada" porque en él 

pudo expresar una gran gama de sentimientos; 

tuvo una considerable 

demanda técnica y a la vez, porque 

disfruta mucho del buen humor, lo cual 

nos recuerda que Cragun también es 

caricaturista y ha presentado varias 

notables exposiciones con sus dibujos. 

Dijo que igualmente sintió mucha satisfacción 

al interpretar a Stanley Kowalski 

en "Un Tranvía Llamado Deseo" de 

John Neumeier, y a Carabosse de "La 

Bella Durmiente", por lo ricos que son 

interpretativamente. Agrega que en su 

vida ha interpretado seis papeles femeninos 

y que tuvo la oportunidad de 

compartir este tema con Dustin 

Hoffman después de este hacer Tootsie, 

lo cual fue una experiencia muy interesante 

y reveladora. 

Al referirse a los problemas que aquejan 

al mundo en tantos países expresó 

enfáticamente que "Si no los superamos 

de manera colectiva, nunca 

podremos avanzar; que tenemos que 

descubrir dónde está la animosidad, el 

odio racial, para poderlos combatir; y 

piensa que el ballet es un medio para 

poder hacerlo". Agrega: "Lo que recibes 

en la vida es lo que devuelves. La 

forma en la que escalas es la forma en 

que caes. Debemos ayudarnos unos a 

los otros, siempre hacia arriba." 

Hacia el final de la gratísima conversación, 

afirma con gran énfasis que lo 

más importante en la danza actualmente 

es tener nuevas creaciones; que 

la llamada "danza moderna" es a 

menudo demasiado básica y no exige 

suficiente técnica; "Necesitamos más 

originalidad, mucha más expresión en 

la danza". Piensa que siempre debemos 

preservar con mucho cuidado el 

repertorio tradicional; pero hace una 

exhortación para que se apoye a las 

compañías jóvenes; a los proyectos 

sociales. Y concluye: "Yo me hice famoso 

con Marcia Haydée porque tuvimos 

ese apoyo. ¿Qué más se puede pedir 

Eso nos dio vida. Y debemos estar 

conscientes de estas cosas para poder 

transmitirlas." 

FINALISTAS 2009 

MEJOR ESPECTÁCULO DE DANZA: 

CARMEN - Compañía antonio gades - fundación Antonio Gades 

DE CABEZA - Teresa nieto en compañía 

SIRENA A LA PLANCHA - Sol pico cia de danza SL. 

MEJOR COREOGRAFÍA: 

ANNA BRIANSÓ - Boscos endins 

LEO QUINTANA - Cómeme el coco, negro 

TERESA NIETO - La verdadera historia de los hermanos marx 

TERESA NIETO, JESÚS CARAMÉS, DANIEL DOÑA, MANUEL LIÑÁN, OLGA 

PERICET, VANESSA MEDINA - De cabeza 

MEJOR INTÉRPRETE FEMENINA DE DANZA: 

AÍDA GÓMEZ - Permiteme bailarte 

TERESA NIETO - De cabeza 

VANESSA MEDINA - De cabeza 

MEJOR INTÉRPRETE MASCULINO DE DANZA: 

DAMIÁN MUÑOZ - Staff 

JESÚS CARAMÉS - De cabeza 

MANUEL LIÑÁN - De cabeza 

*El Festival Escena Contemporánea obtine el Max de Nuevas Tendencias 


nº24_2009

Oskar Schlemmer 

Y EL BALLET TRIÁDICO 

Por Daniela Reyes 

En 1931, Oskar Schlemmer escribió 

en su diario: "Parto del cuerpo para 

ir sacando paulatinamente la forma 

de la danza, el camino es así diferente 

de cuando parto de la forma, de una 

idea a plasmar, e intento realizarla a través 

del cuerpo". El pintor, coreógrafo, 

"bailarín" y diseñador teatral nacido en 

Stuttgart en 1888, inició sus estudios de 

Bellas Artes en la Academia de Stuttgar 

en 1906, y fue durante este período formativo, 

donde comienza su búsqueda a 

través de las formas geométricas y la 

estructura en la pintura, que más tarde 

extrapolaría al mundo de la danza. 

Alumno de Adolf Hölzel, según la opinión 

de los especialistas, fue influido por 

los esfuerzos de su profesor por encontrar, 

a semejanza de la teoría de la 

armonía en la música, un contrapunto 

en la pintura. 

Llamado a filas durante la Primera 

Guerra Mundial, organizó durante un 

permiso militar un festival para sus compañeros, 

donde representó en 1916 

fragmentos del "Ballet Triádico", una de 

sus obras más reconocidas y que pasó a 

convertirse en el emblema del Teatro 

Experimental de la Bauhaus, que él 

refundó y desarrolló junto a sus estudiantes, 

entusiasmados por sus novedosas 

y experimentales concepciones escénicas, 

en el año de 1923 en la ciudad 

de Weimar. 

Artista multidisciplinar, acorde a la institución 

de la Bauhaus, lugar en el que 

por aquel momento convergían estéticas 

opuestas, pero que en sí representaban 

la vanguardia del momento, su investigación 

y el desarrollo de su trabajo 

siempre giró en torno a la figura del 

hombre y el espacio. 

Es considerado el pionero del concepto 

de la danza abstracta en Europa central 

y creó una concepción única del desarrollo 

escénico: consideraba que el escenario, 

era un elemento capaz de solventar 

la necesidad metafísica ausente en el 

hombre, puesto que en sí mismo, era un 

mundo imaginario y por lo tanto, trascendental. 

Todo esto debemos entenderlo 

al amparo de las reflexiones que 

Schlemmer realizaba en torno al misticismo 

imperante de la época, así como 

a la luz de los nuevos estudios psicológicos-expresivos 

desarrollados por 

Ludwig Klages y Carus, quienes a su vez, 

interpretaban el cuerpo como manifestación 

del alma y el alma, como sentido 

del cuerpo vivo. Desde este punto debemos 

partir, para entender lo que envuelve 

el pensamiento de Schlemmer en 

torno al movimiento del cuerpo. 

La reflexión teórica fue continua durante 

el transcurso de su vida, y en consecuencia, 

el Ballet Triádico, fue el resultado 

de años de investigación sobre el 

espacio y el individuo, asentado sobre la 

base del pensamiento místico-experimental. 

Su meta era la más pura abstracción 

de formas, alejando a los bailarines 

de cualquier rasgo particular o 

individual, razón por la cual utilizó máscaras 

en cada una de sus representaciones. 

Con la utilización de las máscaras, 

potenció que la indagación en torno a 

concepciones como la realidad oculta 

en la medida, la forma y el número, se 

volcará sobre la base perceptiva del 

espectador. 

Pero si el ballet se asienta sobre estas 

bases teóricas, la música no es menos. 

Fue compuesta por el compositor y 

musicólogo Paul Hindemith, considerado 

uno de los músicos más notables de 

principios del siglo XX. Con apenas 20 

años se convirtió en el Director de la 

Ópera de Franckfort. Se le reconocen 

sus esfuerzos por renovar la tonalidad 

imperante en el sistema musical del 

momento. En sus composiciones musicales, 

recuperó instrumentos en desuso, 

además de escribir el tratado musical "El 

arte de la composición musical". Como 

muchos otros artistas e intelectuales, el 

régimen nazi consideró sus composiciones 

como "arte degenerado". Ante 

semejante hostilidad, Hindemith respondió 

con el auto exilio, primero a Suiza en 

1938 y en 1940, a los Estados Unidos, 

donde enseñó composición musical en 

las Universidades de Yale y de Harvad. 

Retorna a Europa en 1953, enseñando 

en Zúrich musicología. La aportación al 

Ballet de Schlemmer fue muy afín al 

espíritu experimental de su creador. 

El resultado de este trabajo, fue la permanencia 

en cartelera durante 10 años 

del Ballet Triádico; su puesta en escena 

incluía cambios continuos en vestuario e 

iluminación y solía representarse en 

todas las fiestas de la Bauhaus, además 

de giras y congresos. 

Su estreno fue el 30 de Septiembre de 

1922 en la Kelines Haus del Teatro del 


nº24_2009

"land" de Stuttgart y una vez finalizado el 

conjunto coreográfico, se dividió en los 

siguientes actos: "La danza del metal", 

"La danza del espacio", "La danza de las 

formas", "La danza de los gestos", "La 

danza de las barillas", "La danza de los 

aros", "La danza de los bastidores" y "El 

juego del rompecabezas". Como la actividad 

pictórica de Schlemmer no disminuía, 

sino que más bien se nutría de la 

experiencia del ballet, en Weimar pinta: 

"Bailarina", "Bailarín", "Figura vista desde 

el costado", iniciando una serie de dibujos 

a la aguada. 

Durante 1923 y dentro de la "Semana 

de la Bauhaus" se representa el Ballet 

Triádico en el Teatro de Jena, en el 

Teatro Nacional de Weimar y Leipzig. A 

raíz del éxito obtenido, el Teatro Popular 

de Berlín le encarga la puesta en escena 

de "El zar renegado" de Carl 

Hauptamnn, a la que seguirán otras 

tantas obras más. Por esta época pintó: 

"Los comensales", "Paracelsus", "Figura 

mítica" "Figura sentada" y realizó una 

serie de litografías. 

Así, entre la pintura y el mundo escénico, 

el Teatro Popular de Berlín, le ofrece 

en 1925 un contrato, mientras que 

Gropius, le llama a Dessau para encargarle 

un escenario experimental, en el 

futuro edificio de la Bauhaus. 

Continuando con su trabajo pictórico 

ven la luz: "Lugar de retiro", "Grupo concéntrico", 

"Desnudo, mujer y el llegado", 

siendo obras de clausura de su época 

abstracta, lo que dio pasó al tema que 

guió el trabajo de su vida: "El hombre en 

el espacio". 

En su diario de 1925, escribe: "Porqué 

triádico. Porque el tres es una cifra 

enormemente importante, dominante, en 

el que se superan el yo monomaníaco y 

la oposición dualista, y en el que se inicia 

la colectividad […] El nombre deriva 

de "trías" = trío. El ballet se puede denominar 

como la danza de la trinidad, el 

cambio del uno, dos y tres. Una bailarina 

y dos bailarines = doce danzas. 18 

trajes. Las trinidades siguen: forma, color 

y espacio; las tres dimensiones del espacio: 

altura, profundidad y anchura; las 

formas geométricas básicas: esfera, 

cubo, pirámide; los colores elementales: 

rojo, azul y amarillo. La trinidad de la 

danza, vestuario y música, etc". 

Reincorporado tras un breve cese a la 

nueva Bauhaus instalada en Dessau, 

reorganiza el Teatro Experimental de la 

Bauhaus bajo el criterio de un teatro de 

prototipos. Para 1926, reaparecen las 

giras con el Ballet Triádico, asistiendo al 

Festival de música de Donaueschingen, 

la Gran Revista del Puente de Francfort 

del Meno y al Teatro Metropol de Berlín. 

Entretanto, su base teórica con respecto 

a la actividad escénica abre un nuevo 

campo de trabajo a un Schlemmer fatigado 

por problemas económicos y 

familiares. Pronunció en 1927 un discurso 

sobre los elementos escénicos 

ante el Círculo de Amigos de la 

Bauhaus. 

En estos momentos de su vida recapacita: 

"…el Ballet Triádico en su configuración 

actual no es más que un inicio, 

una etapa (para mí) y que están puestas 

las bases para desarrollar un ballet 

totalmente cómico, y también para un 

ballet trascendental. Mis esperanzas 

son: más y mejores bailarines, medios 

para la producción de figurines, música 

más perfecta". 

En 1928 interviene en el Congreso de 

Bailarines de Essen, pone en escena 

ballets en Hagen y en la Ópera de 

Dresde. Ese mismo año recibe en Berlín 

la Medalla de Oro con motivo de la 

Exposición Alemana de Arte. 

Al año siguiente y alejado de la 

Bauhaus por temas de índole económica 

e ideológica, impartió clases en 

Breslau; su cátedra se tituló "El hombre 

y el espacio", mientras que preparó la 

puesta en escena de una ópera y un 

ballet de Stravinsky, que se representó 

en Diciembre en el Teatro Municipal de 

Breslau. 

Nuevamente en colaboración con W. 

Gropius, se trasladó a Paris en 1930 

para exponer tres trajes del Ballet 

Triádico, dentro del contexto de la 

Exposición de la Unión Industrial 

Alemana. Retornó a Berlín para poner 

en escena Krolloper, un drama musical 

de Schönberg. 

Todo este trabajo simultáneo, se vió 

reconocido en 1931 en una gran exposición 

individual en la Exposición Teatral 

Internacional de Zúrich, en la que se 

muestran bocetos de trajes, decorados, 

montajes y coreografías. Al año 

siguiente, 1932, el Ballet Triádico es 

invitado a París en el marco del 

Congreso Internacional de Bailarines. 

A pesar de que Schlemmer desarrolló 

un trabajo incesante, terminó sus días 

en un destierro social terrible. Como 

muchos otros grandes artistas e intelectuales 

de la época, el régimen nazi, no 

sólo le condena socialmente, sino que 

le prohíben exponer y trabajar en la 

enseñanza, siendo considerado sus trabajos 

coreográficos una aberración, 

mientras que su obra pictórica fue 

expuesta en 1937 en Berlín en la 

"Exposición de Arte Degenerado". 

Víctima de la pobreza, la exclusión 

social y la persecución política, muere 

en 1943 rodeado de su esposa Tut y sus 

tres hijos, en una cabaña junto a la 

frontera Suiza. 


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PALACIO EUSKALDUNA 

BRILLANTE SINGLADURA DE UNA DÉCADA 


Inaugurado el 19 de febrero de 1999, el Palacio de Congresos y 

de la Música Euskalduna Jauregia- su denominación oficiales un 

edificio muy singular; uno de los buques insignia del nuevo Bilbao 

del siglo XXI. Concebido por sus arquitectos, Federico Soriano y 

Dolores Palacios, como un buque en permanente construcción, 

emergiendo de un dique en el que estuvo situado el astillero 

Euskalduna, el Palacio obtuvo el Premio Enric Miralles 2001 en la VI 

Bienal de la Arquitectura Española. Constituye un gran complejo 

multifuncional de 53.000 m2, ubicado en el centro de Bilbao, que 

aglutina variadas y numerosas actividades de naturaleza económico-empresarial, 

institucional, social y cultural. En él, se desarrolla la 

temporada de ópera de la Asociación Bilbaína de Amigos de la 

Ópera (ABAO), una de las más importantes y prestigiosas de todo 

el Estado y de Europa, y tiene también su sede la Bilbao Orkestra 

Sinfonikoa (BOS), una magnífica institución musical que dio su primer 

concierto en 1922. El edificio combina las zonas dedicadas al 

uso público, a través de su Auditórium y de sus numerosas salas de 

congresos, salas de reuniones, salas de juntas, despachos, foyers y 

hall de exposiciones, con las áreas de servicio, destinadas a almacenes, 

talleres, vestuarios, camerinos, salas de ensayo, etc. 

UN ESCENARIO DE ENSUEÑO 

De todos los espacios del gran complejo del Euskalduna, el 

Auditórium es el espacio-talismán, una inmensa superficie escénica 

con un total de 1.800 metros cuadrados; la más grande de España, 

la segunda más grande de Europa tras el Teatro de La Bastilla de 

París y, asimismo, una de las más grandes del mundo. La altura de 

la caja escénica es 52,15 metros. Podría albergar una torre del 

Puente Colgante de Bizkaia o un edificio de 17 plantas. El fondo 

máximo del escenario tiene 46,40 metros, mientras que la anchura 

máxima mide 62,40 metros. El diseño del escenario tiene forma de 

cruz, con cuatro espacios escénicos, y permite operar con tres decorados 

completos premontados. Dentro del escenario cabe, tanto por 

superficie como por altura, una pista de tenis homologada para 

competición oficial. También posibilita la colocación de tribunas en 

los hombros y chácena. 

El escenario principal se compone de tres plataformas de 16,10 por 

5,4 metros, con doble piso de 3,07 metros, que suben de -11,97 a 

+3 metros. Pueden soportar una carga máxima conjunta de 92,1 

toneladas. Cada una de las tres plataformas escénicas está contrapesada 

con un peso total de 120 toneladas, equivalente a una 

ballena común. El telón cortafuegos del escenario es metálico, pesa 

21 toneladas, equivalente al peso de 3 elefantes. Desciende automáticamente 

en 32 segundos, aislando el patio de butacas de la 

caja escénica, si ésta alcanza una temperatura 65 grados centígrados. 

Éstos son sólo algunos de los datos de este escenario con unas 

dimensiones de ensueño. 

CIFRAS RECORD 

Mejor Centro de Congresos del Mundo, título otorgado por la 

Asociación internacional de Palacios de Congresos (AIPC), y Premio 

Nacional 2003 de la Federación de Organizadores Españoles de 

Congresos (OPC), en el periodo 1999-2008, el recinto Euskalduna 


nº24_2009

Panorámica 

Igor Yebra, “Cisne XXI”, Gala del X Aniversario. 

Hall 

Auditorium 

fue el marco de 6.379 eventos y representaciones. Siguiendo con 

la cuantificación del éxito traducido en cifras, en esta primera década 

de existencia, el Euskalduna ha recibido a 4.192.807 asistentes. 

La ocupación media registrada ha alcanzado el 88,1%. En 2008, 

batió todos los récords con un 94%. 

De las 2.625 representaciones: 1.406 tuvieron lugar en el 

Auditórium, 896 en la Sala Teatro y 323 en otras salas del Palacio. 

De ellas, 116 fueron espectáculos de danza. De hecho, el 

Auditórium del Palacio Euskalduna ha acogido la mayoría de los 

grandes eventos de la Asociación Bilbao Ballet Elkartea (ABBE), 

entre ellos: las tres ediciones de la Gala "Los vascos y la danza", el 

estreno mundial del espectáculo "Antonio" del bailaor Antonio 

Márquez, la actuación bilbaína en la gira nacional del Ballet 

Nacional de Lituania con Igor Yebra y Alicia Amatriain (Bailarina 

Principal del Stuttgart Ballet) como estrellas invitadas, y el espectáculo 

"Anna Karenina" del Eifman Ballet Theatre. Además, también 

es el marco de gran parte de las actuaciones del festival de danza 

Dantzaldia, que, en sus nueve ediciones, se ha decantado principalmente 

por la Sala Teatro y en solemnes ocasiones por el magno 

Auditórium, de 2.200 localidades. Sin duda, el buque del 

Euskalduna ha rubricado la mejor singladura para la cultura en su 

primera década de existencia y, a buen seguro, que aún le quedan 

muchos mares por surcar. 

DIEZ AÑOS COMO LÍDER 

El Palacio Euskalduna acogió un nutrido programa de actos con 

motivo de la celebración de su décimo aniversario. Uno de los 

actos centrales fue una gala conmemorativa como homenaje a los 

promotores y organizadores de los congresos y eventos celebrados 

en este recinto. El acto, de dos horas y media de duración, recordaba 

a la gala proyectada para la inauguración que, debido a 

diversos motivos, se vio mermada. Como en aquella ocasión, Ane 

Igartiburu presentó el evento, en el que la Bilbao Orkestra 

Sinfonikoa (BOS), dirigida por Yaron Traub, desgranó un programa 

de siete piezas musicales, de autores tan diversos como Juan 

Crisóstomo de Arriaga, Richard Wagner, Maurice Ravel, José María 

Usandizaga, Camille Saint-Saëns y Jesús Guridi. Acompañando a 

la BOS en este concierto, la Sociedad Coral de Bilbao, el violonchelista 

Asier Polo e Igor Yebra (Bailarín Estrella de la Ópera de 

Burdeos). 

Con música de Camille Saint-Saëns, Yebra interpretó "Cisne XXI", 

un clásico en su repertorio, con el especial aliciente de contar con 

la música en directo de Asier Polo en el violonchelo y de Marion 

Desjacques al arpa. El dominio del hecho escénico se hizo patente 

en la interpretación del bailarín bilbaíno, quien, se movió con soltura 

por la segunda superficie escénica más grande de Europa. La 

partitura de "Daphnis et Chloé" de Maurice Ravel sirvió para clausurar 

el concierto, pieza en la que participó además de la BOS, la 

Sociedad Coral de Bilbao, mientras que Igor Yebra y Stephanie 

Roublot (Solista de la Ópera de Burdeos) vistieron la obra con una 

sentida coreografía del Maestro Granero. De esta manera, Yebra 

se quitó una espina, ya que no pudo participar en la gala inaugural, 

debido a una 

Patio de butacas 

lesión. 


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Críticas 

Bach baila neoclásico 


19 de febrero de 2009 

Teatro Principal, Vitoria 

Itziar Mendizabal 

El Ballet de Leipzig presentó con éxito el programa 

"Bach tanzt!" en un atestado Teatro Principal de Vitoria. 

La formación alemana, dirigida por Paul Chalmer, 

ofreció una interesante velada, compuesta por cuatro piezas, 

principalmente neoclásicas, cuyo nexo en común fueron 

las composiciones musicales de Johann Sebastian Bach 

(1685-1750), quien vivió sus últimos años en la ciudad de 

Leipzig (1723-1750). Cuatro coreógrafos de diferente factura 

fueron los responsables de sendas piezas que ofrecieron 

muestras de la genialidad de George Balanchine 

(1904-1983), el impactante modernismo de Marco Goecke 

(1972), el suave lirismo con toque de jazz de Jerome 

Robbins (1918-1998) y la quintaesencia del ballet sinfónico 

de Uwe Scholz (1958-2004). 

"Concerto Barocco" (1941) abrió la velada. Esta obra fue 

creada por Balanchine dentro de sus composiciones sin 

argumento, y su inspiración proviene de la música de Bach. 

Tal y como él mismo describió, en el primer movimiento, 

dos bailarinas simbolizan los violines, arropadas por un 

pequeño cuerpo de ocho bailarinas; en el segundo movimiento, 

un hombre se une a una fémina para hacer un paso 

a dos; finalmente, en el allegro, todo el elenco expresa la 

síncopa y rítmica vitalidad de la música de Bach. Sin duda, 

el elemento rompedor con esa atmósfera clasicista vino de 

la mano de "Suite, suite, suite", pieza creada por Marco 

Goecke para la intérprete guipuzcoana Itziar Mendizabal - 

Bailarina Principal-, quien disfrutó en su actuación y obtuvo 

los primeros bravos de la noche. No deja indiferente esta 

obra que posee reminiscencias de otros lenguajes contemporáneos, 

y en la que la bailarina destacó por su papel de 

hilo conductor. 

Jerome Robbins firmaba el solo "A suite of dances" en el que 

Giovanni di Palma -Bailarín Principal- se lució, acompañado 

por Verónica Wilhelm en el violonchelo. El intérprete napolitano 

estuvo majestuoso en cada uno de los movimientos de la 

partitura de Bach, cosechando unos apasionados bravos del 

respetable. Para finalizar la actuación, el Ballet de Leipzig ofreció 

una muestra de los llamados ballets sinfónicos de Uwe 

Scholz, coreógrafo que marcó una huella indeleble en el devenir 

de la compañía germana, que dirigió desde 1991 hasta su 

pronto fallecimiento. Bella pieza de buena factura, en la que 

cada nota es traducida en la escritura coreográfica, hasta 

hallar el clímax final. Nuevo éxito del Ballet de Leipzig en su 

enésima gira española, con un programa mixto cuya esencia 

es el espíritu de Bach y cuya traducción en danza hablaría el 

neoclásico con algún acento contemporáneo.

Críticas 

Cimentando una compañía 


24 de enero de 2009 

Teatro Tívoli, Barcelona 

Adiarys Almeida y Ángel Corella en Tchaikovsky pas de deux ©Rosalie O'Connor 

Iain Mackay y Cuerpo de Corella Ballet en Clear ©Rosalie O'Connor 

Inasequible al desaliento, a las envidias y a las críticas, el 

Corella Ballet-Castilla León continúa su singladura en el 

proceloso mar de la danza en España. El Teatro Tívoli de 

Barcelona acogió la presentación del programa mixto de la 

formación liderada por Ángel Corella, en una serie de cinco 

actuaciones. 

El grueso de la compañía demostró su favorable evolución 

en la construcción de un verdadero grupo con "Bruch violín 

concierto nº 1" (Clark Tippet, 1987), "Clear" (Stanton Welch, 

2001), e "In the upper room" (Twyla Tharp, 1986). En el 

papel de mentor, padrino y motor de esta compañía, Ángel 

Corella realizó una aparición estelar en su doble participación 

en "Tchaikovsky, pas de deux" (George Balanchine, 

1960) y "We got it good" (Stanton Welch, 2006). 

La velada comenzaba con la pieza neoclásica de Clark 

Tippet, "Bruch,…", una buena muestra de las aspiraciones 

del Corella Ballet-Castilla León en su esfuerzo por revitalizar 

la danza clásica en España. Obra coral, con breves y 

elegantes escenas de pasos a dos, que dio paso al conocidísimo 

dúo de Balanchine, "Tchaikovsky, pas de deux", con 

un chispeante Ángel Corella y una arriesgada Adiarys 

Almeida, quien, recién recuperada de una lesión, voló por 

el escenario, demostrando una confianza plena en los brazos 

del gran bailarín madrileño. Y llegó la joya de la velada: 

"Clear", un ballet creado por el australiano Stanton 

Welch, inspirado en el atentado del 11-S, y construido para 

un elenco masculino, con la única y breve intervención de 

una mujer. Sólida pieza de corte neoclásico que evoca la 

melancolía en medio del horror de la tragedia, que estuvo 

brillantemente comandada por Herman Cornejo -Bailarín 

Principal del American Ballet Theatre-. 

La legendaria sonrisa y magia de Ángel Corella desplegaron 

todo su encanto en el sólo de jazz "We got it good", nacido 

de la mano de Welch, para la gira "Kings of the Dance". 

Con una carrera profesional de tres lustros, Corella sabe 

cómo conectar con el gran público, que enloquece con la 

muestra de sus excepcionales cualidades de giro y salto. 

Para cerrar la velada, una contraposición del mundo clásico 

y del contemporáneo, al menos en la estética, con la obra 

"In the upper room" de Twyla Tharp. Pieza muy exigente y sin 

descanso, que volvió a poner sobre el escenario a los miembros 

del Corella Ballet-Castilla León, que son los verdaderos 

cimientos de la compañía. Con un programa de dos 

horas y media, la compañía una vez imaginada por Ángel 

Corella consiguió el aplauso unánime del público catalán 

que se congregó en el barcelonés Teatro Tívoli. Encomiable 

la labor de los chicos y chicas del Corella Ballet-Castilla 

León que, con su trabajo diario, demuestran que los sueños 

pueden convertirse en realidad, aunque haya mucha 

Carabosse suelta acechando. 


nº24_2009

Gustavo R. Santano 

GYÖR BALLET 

Por Celi Barbier 

Gustavo Sansano, nació en Alicante, y a sus 30 años 

ha conseguido varios premios importantes en el 

escenario internacional de la Danza: Premio a las 

Artes Escénicas de la Comunidad Valenciana 2005, Premio 

Les Étoiles de Ballet 2000 Cannes en 2004, Prix Don 

Perignon 2001 (Hamburgo), Premi Ricard Moragas 1997 

(Barcelona). Director de su propia Compañía en Valencia, 

"Projecto Titoyaya" presentará en 2009 varias de sus nuevas 

creaciones en diversos países y en España. 

Gustavo es un joven genio con una sólida formación, pues 

ha estudiado con célebres profesores españoles. Comenzó 

en la escuela de Josetta García de Almoradí, ampliando sus 

estudios en el Institut del Teatre de Barcelona de la mano de 

Karemia Moreno, Guillermina Coll y José María Escudero, 

entre otros. Con 22 años empieza su carrera en el Ballet 

Joven de Alicante, después bailará en el Ballet 

Contemporáneo de Barcelona, en el Ballet de la Comunidad 

de Madrid y en el Nederlands Dans Theater 2, pudiendo así 

trabajar con grandes coreógrafos: H. van Manen, G. 

Godani, J. Kilián, L. Hoche, y O. Nacharin, entre otros. 


nº24_2009

GAUDI 

Este joven, cultivado e inteligente, posee una fantasía 

desbordante y no teme enfrentrarse a Antoni Gaudí con 

su coreografía, un gran reto. Tenemos que elogiar, claro 

está, el coraje del Director del Ballet de Györ, Kiss Janos, 

que aceptó la idea sin saber exactamente donde le llevaría: 

"nosotros no podíamos pensar seriamente en una 

"solución" coreográfica del fabuloso arquitecto catalán 

Gaudi (1852-1929)". El Ballet de Györ, formación contemporánea 

y segunda compañía de Hungría, siendo la 

primera, de línea clásica, el Ballet Nacional. 

Rumor de pájaros y agua, ramas de árboles surgen 

como esculturas en la oscuridad del escenario, sonidos 

de piano y un personaje, quizás Gaudí, vestido de negro 

con bombín, en una ascensión "gaudiana" - un ascensor 

construido como si fuera una obra del gran maestro 

donde le veíamos de costado, en lo alto, dibujando con 

gestos harmónicos, dibujando sus sueños. 

La inteligencia y sensibilidad de Gustavo reside en como 

entrar en la piel de Gaudí, en sus pensamientos, sus 

deseos, sus sentimientos y sus visiones. Un hombre torturado 

y solitario, Gaudí no fue un " apasionado ". Las líneas, 

las formas, el espacio, los colores de la naturaleza 

eran su vida. 

Gustavo emplea símbolos y posee una relación original 

con las composiciones escogidas. Él utiliza y conoce la 

magia del contrapunto, de los silencios, del ritmo interno, 

por lo que no le gusta que se hable de original. Él mismo 

se considera seguidor de Gaudí : "yo soy lo que veo, los 

árboles son las columnas del mundo", son palabras del 

propio Gaudí y que Gustavo continua: "Gaudí podía ver 

la naturaleza con otros ojos…poco a poco perdería a 

sus amigos y dedicó toda su vida a la creación". 

Una coreografía con un estilo, espléndido y muy personal, 

entre el neo-clásico y el contemporáneo en donde 

hay que reseñar un trabajo en el suelo tan fluido como si 

se tratara de ramas de árboles movidas por el viento. 

Increíble rapidez, precisión y musicalidad donde algunas 

de las obras de Gaudí eran proyectadas, dibujadas o 

sugeridas siempre arropando el trabajo de los intérpretes. 

Una primera parte oscura en la que Gaudí, en su pedestal 

solitario, sus gestos lentos y su inmóvil figura, cual 

metáfora de su cuerpo enfermo, giran hacia la religión y 

la mística en un comportamiento estoico, que, quizás 

explica sus controversias y las de su época. 

En la segunda parte de la obra, la luz, se vive uno de los 

más extraordinarios pasos a dos de la obra. Los históricos 

hablan de los aspectos más extraños de la vida de 

Gaudí quien, aparentemente, no tuvo relaciones amorosas, 

sólo las que mantuvo con una tal señora Josefa, 

casada ó separada de su marido. La "liaison", con Josefa 

parece haber sido un fiasco, por lo que Gaudí prefirió 

casarse con la religión. De la magnifica Pasion según 

San Mateo (J.S. Bach) Gustavo escoge la liadísima Arie 

"Erbarme dich" y crea un dúo final de una divina y fascinante 

belleza. "Si Dios existe, Él está en esta música", 

nos confía Gustavo. 

Magnífica coreografía, sin concesiones a tantas posibilidades 

"fáciles", acá un baile español, y porque no un 

poquitín de frivolidad, en donde la relación entre emoción, 

música y dramaturgia son espléndidas. El Ensemble 

de Györ, renovado y rejuvenecido, bailó muy bien. 

Gustavo es muy exigente y lleva coreografiando desde 

los 15 años… "No tengo un estilo propio, mi estilo son 

mis vivencias, es la vida…" 


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Antonio Monllor 

(1ª parte) 

Por Javier Bagá 

Por la derecha el cuarto Antonio Monllor y a su izquierda Juan Tena 

Es todo vitalidad. Su aspecto aniñado esconde una dilatada 

madurez. Vivió los años dorados del Ballet del 

Gran Teatro del Liceo, aquellos que lideró Magriñá y 

que arrastraron a algunos a seguir sus pasos y trazarse una 

carrera artística. En los años 40 su ansia de bailar le hizo 

valiente y le ayudó a marcharse hacía un futuro incierto. Pero 

tenía talento y eso le abrió puertas; puertas que en las posguerras 

pesaban como lápidas. 

El no descubrió la danza porque, como dice, la danza ya 

estaba en él. No fue consciente hasta que un día, cuando 

tendría unos 5 años, vio una película de Fred Astaire "El sombrero 

de copa" y se dijo "Yo soy ese. Yo quiero ser eso". 

A Antonio Monllor no se le puede catalogar más que de personaje 

entrañable. A los finales de su dilatada y extensa 

carrera, coincidimos en la Compañía de Ballet del Liceo de 

Barcelona; eran los años 70. Yo era adolescente y él ya había 

recorrido el mundo varias veces. En el Liceo pasábamos, con 

mucho gusto, horas y horas de montajes, clases, ensayos de 

escena, funciones…, pero siempre había un momento para 

ir al camerino de Antonio a escuchar sus "batallas". Las contaba 

sin ostentación, sólo con la ilusión de relatar sus experiencias, 

transmitiendo emociones, pasando de París a 

Hollywood, y de New York a Copenhague, eso sí, siempre 

hablando con magnífico acento en el idioma del lugar que 

describía y levantándose constantemente para bailar por el 

camerino las piezas sobre las que hablaba. Era irresistible 

imitando a Gene Kelly en su inmortal "Singing in the rain", 

pero emocionaba hablando de Balanchine, Lifar y la Ópera 

de París. Siempre había una palabra común en sus historias: 

felicidad. A pesar de que no todo fueron momentos gloriosos 

en su carrera decía constantemente "he sido tan feliz". Hoy 

ya después de haber transcurrido el tiempo y viviendo una 

jubilación "ajustada" sigue diciendo "a pesar de todo soy 

feliz, no necesito más de lo que tengo porque la vida me ha 

dado mucha felicidad". 

Su primer referente fueron las películas musicales, le fascinaban 

y en casa las repetía cantando y bailando todo el 

tiempo. Su madre observando esa afición en el niño decidió 

llevarle a clases de danza. Acudió primero a la escuela de 

Pauleta Pamies que se encontraba a escasos metros del barcelonés 

Teatro del Liceo. Al igual que le sucedió a Juan 

Magriñá, el pequeño Antonio no fue admitido en la escuela 

de la Pamies, ella no aceptaba varones en sus clases. Por 

otro lado la maestra dijo a la familia, "este niño es demasiado 

pequeño, déjenle que juegue y salte". Para consolarse fue 

a parar a unas clases de claqué. Aprendió rápido y eso le 

hizo participar en exhibiciones que organizaba la maestra; 

bailaban en onomásticas, cumpleaños, actos sociales…. 

Al estallar la Guerra Civil, la familia Monllor se trasladó a la 

localidad barcelonesa de Vegues, lugar donde residía también 

la popular cómica catalana Mari Sampere. Esta daba 

representaciones en el teatro local y fueron las hermanas de 

Antonio quienes hablaron con ella para que opinara sobre 

las facultades del niño. Sampere lo presentó en el escenario 

de Vegues y juntos hicieron varias actuaciones. Así mismo 

dijo a la familia que el niño tenía facultades artísticas 

incuestionables y les indicó que lo llevaran a las clases del 

maestro Magriñá. Años más tarde el destino puso a Monllor 

frente a Juan Magriñá, y ese sería el inicio de su carrera 

profesional. 


nº24_2009

Antonio Monllor, decidido a convertirse en artista teatral, 

ingresó en el Instituto del Teatro de Barcelona, pero no para 

formarse como bailarín, sino como actor. Los estudios de arte 

dramático incluían clases de rítmica y esgrima, asignaturas 

que no impartía otro que Juan Magriñá. Al terminar el primer 

día de clase, este se le acercó y dijo "Yo no pretendo 

influenciar para que deje su carrera de actor y se dedique a 

la danza, pero le aseguro que usted es un magnífico bailarín. 

Hay muy pocos chicos que se dediquen a la danza y con sus 

condiciones, menos" Como la verdadera ilusión de Antonio 

era bailar respondió "Yo ya estoy matriculado en arte dramático, 

pero si usted puede hacer que me cambien la matrícula…, 

yo me paso a danza. A los pocos días estaba agarrado 

a la barra". 

Como sucedía a menudo con los chicos dada su escasez, 

Monllor pasó de inmediato a formar parte del Ballet del 

Liceo. Allí compartió escena con Maruja Blanco, María de 

Ávila, Aurora Pons, Emilio Altés, José Ferrán…, e interpretó el 

extenso repertorio de la compañía formado por ballets clásicos 

y españoles. Su "master piece", al menos la primera y por 

la que todavía algunos le recuerdan, fue un personaje que 

Magriñá creó para él, "El pelele" del ballet "Los tapices de 

Goya", rol por el que conseguiría las primeras ovaciones. En 

el Liceo permaneció diversas temporada, siendo esa etapa la 

que recuerda con mayor emoción, eran las primeras experiencias 

como bailarín profesional y además estaba donde 

quería, bailando y en el Liceo. "En el Liceo, bailábamos 

mucho, las óperas, los ballets, reforzábamos las compañías 

internacionales que pasaban por el teatro: Coronel de Basil, 

las compañías rusas de ópera y de ballet…, estábamos tantas 

horas… Éramos felices. Cobrar no cobrábamos pero 

bailar…, todo lo que queríamos y más". 

Como a todo artista inquieto, las fronteras le apretaban. 

Antonio quería hacer una carrera internacional y se tuvo que 

marchar al extranjero. El propio Magriñá le aconsejó irse por 

duro que fuera, y lo hizo. El no lo sabía, pero le esperaban 

Europa y América. 

Antonio Monllor, Sostakovich Polca 

Antonio Monllor, el tercero por la derecha, en Tapices de Goya 


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PERSONAJES 

Antonia Mercé y Néstor 

(1ª parte) 

Por Mercedes Albi 

Antonio Merce, “La Argentina” 

La Argentina en La danza del fuego 

Entre las artistas que, además de la rusa María 

Kousnezoff, quedaron fascinadas con el estreno de "El 

amor brujo" en el Teatro Lara en 1915, se encontraba 

una joven bailarina que durante años soñaría con poder 

representarlo. Pues desde aquel momento, una chispa que 

nunca se apagaría quedó prendida en el alma vivaz y creadora 

de Antonia Mercé, la Argentina. Si en ella reside el 

mérito y el talento de ser la pionera en elevar la danza española 

desde el "tablao" a los escenarios más importantes del 

mundo, no podemos olvidar el importante papel que "El 

amor brujo" jugaría en esta transformación. Antonia Mercé 

esperó diez años desde que Pastora Imperio protagonizara 

Candelas -no quería ofenderla bailando un papel de su 

repertorio-. 

El 25 de mayo de 1925, día memorable en la historia de la 

danza española, tuvo lugar el estreno de "El amor brujo" en 

el Teatro Trianon-Lyrique de París. La chispa interior que 

Antonia Mercé sentía por la obra se materializaría al fin en 

un verdadero incendio. 

No fue fácil convencer a Manuel de Falla, que vivía retirado 

en Granada y deseaba evitar cualquier clase de agitación. El 

compositor aún recordaba con disgusto los problemas acaecidos 

durante el estreno de 1916, especialmente los generados 

por las discusiones del productor y libretista de la obra, 

Martínez Sierra, con el autor de la escenografía, el pintor 

Néstor, cuyo planteamiento escénico no fue respetado. El 

pintor grancanario había diseñado el cuadro segundo -en el 

que la acción se sitúa en una cueva en penumbras- a base 

de un marcado contraluz. Pero Martínez Sierra, sin consultarle, 

ordenó encender unos focos rojos para que se viera bien 

a Pastora Imperio. Néstor no pudo perdonar la insolencia 

del productor, y tal vez en ello estribe la causa de que no realizara 

los decorados y figurines en las nuevas representaciones, 

los cuales fueron encargados a Bacarisas. 

El mérito de embarcar a Don Manuel en esta nueva aventura 

escénica corresponde al compositor Joaquín Nin, gran 

amigo de Antonia Mercé, a quien le fuera encomendada la 

tarea de mediar con el maestro, que casi se echó atrás en 

un par de ocasiones. 

En el transcurso de los años, Falla había ido aumentando el 

potencial sinfónico de la obra. La música se había enriquecido, 

y se había modificado también el argumento, con la 


nº24_2009

PERSONAJES 

supresión de las partes habladas. El "bailable-lírico-pantomimesco" 

de Pastora Impero fue transformado en ballet. 

Tuvo un reparto antológico. El protagonista masculino, 

Carmelo, recayó en el gran bailarín Vicente Escudero. Y 

hubo una gran novedad, muestra inequívoca de la modernidad 

y de la capacidad de fusión de la danza española: el 

papel del Espectro no fue interpretado por un bailarín sino 

por el mimo francés Mr. Wague. 

Los amigos de la colonia española de residentes en París 

acudieron a acompañar a Falla al estreno, invadidos por 

una gran expectación. El propio maestro dirigiría la orquesta 

desde el foso. La música de la "Historia de un soldado" de 

Stravinsky inauguró la velada, y una parte del público 

comenzó a abuchear, lo cual aumentó el nerviosismo de los 

españoles que se miraban unos a otros. -¿Qué nos pasará 

ahora a nosotros-, preguntó el dramaturgo Marquina a 

Gisbert, el cual continúa describiendo: -Nosotros éramos, 

naturalmente, "El amor brujo" y Falla. Desde los primeros 

acordes el público estaba ya fascinado. Los aplausos se repitieron 

en toda la obra y cuando al fin llegó la Danza del 

Fuego, y cayó el telón, el entusiasmo fue delirante y hubo de 

bisarse la parte. Antonia Mercé y Vicente Escudero, de la 

mano de Falla, fueron paseados en triunfo por el escenario.- 

No se había visto un entusiasmo de público semejante en 

París desde los tiempos de la llegada de los ballets de 

Diaghilev, comentaría la prensa al día siguiente. "El amor 

brujo es un espectáculo extraordinario, de una profundidad 

de acentos arrebatadora. El éxito ha sido triunfal" 

(Comoedia, París, 1 de junio 1925). 

Es muy significativo para conocer la parquedad de medios 

escénicos de que dispusieron en la representación, el texto de 

una carta que Vicente Escudero envía a Manuel de Falla desde 

Nueva York en 1935. El bailarín le informa sobre el éxito que 

acaban de obtener en la ciudad de los rascacielos con "El 

amor brujo", y resalta el hecho de que en esta ocasión hubiera 

37 bailarines en escena, no como en el Trianón Lyrique - 

rememora el pasado y el mítico espectáculo- donde sólo contaron 

"con 8 bailarinas, y con los vestidos faltos de tela. Los 

La Argentina en El amor brujo con Escudero 

fuegos fatuos dos alambres con una bombillita en la punta 

tirándolos por los lados de la escena (…)". La maravillosa 

música de Falla unida al entusiasmo y al genio de Antonia 

Mercé y de los artistas que allí intervinieron fueron los verdaderos 

artífices del milagro. Pues "ya soy Candelas para mientras 

viva" (Carta de Antonia Mercé, 5 de agosto de 1925). 

El éxito obtenido fue el impulso que necesitaba la bailarina 

para consolidar su compañía de danza española, con la 

que recorrería los grandes escenarios del mundo. Su colaboración 

con Néstor no tardaría mucho en iniciarse, pues 

ya en la temporada siguiente (1926), un nuevo ballet "El 

fandango del cándil", con música del joven compositor 

Gustavo Durán, amigo íntimo de Néstor, convertiría sus 

escenografías y figurines en un referente internacional para 

las artes escénicas. 


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C.P.M.D. de Ribarroja del Turia 

"Un buen equipo" 

Por Amparo Ruiz 

Un buen equipo, esta es la frase 

que podría definir el C.P.M.D de 

Ribarroja del Turia. No se puede 

concebir de otra forma. Sería imposible 

llevar a cabo tantas actividades sin 

contar con la desinteresada colaboración 

en muchos casos de los profesores 

del Conservatorio. Mas importante 

si cabe, la apuesta de la Concejalía de 

Cultura del Ayuntamiento de Ribarroja 

del Turia por la Danza y su 

Conservatorio. Hoy en día es un referente 

en la Comunidad Valenciana y 

gracias a las Jornadas Culturales de la 

Danza, que este año se convocará en 

su XIII edición, ya se están situando en 

Europa. 

Al frente de la dirección, Amparo Ruiz, 

exbailarina del Ballet Nacional de 

España. Junto al magnífico equipo de 

profesores está dinamizando el 

Conservatorio con importantes proyectos 

de formación para los alumnos de 

Enseñanzas Profesionales. La innegable 

ventaja de contar todos los martes 

con un teatro (Auditorio Municipal) 

para el estudio de la asignatura de 

Taller Coreográfico y que se puedan 

producir al menos dos trabajos nuevos 

de coreógrafos actuales, acerca a sus 

alumnos a la experiencia profesional. 

El C.P.M.D de Ribarroja del Turia nace 

en 1990 como Escuela Municipal de 

Danza. Tres años después se consolida 

como Conservatorio Oficial. 

Actualmente cuenta con una plantilla 

de diecisiete profesores, quince aulas, 

biblioteca y el escenario del Auditorio 

Municipal, así como todos los recursos 

de administración y servicios correspondientes. 

Se imparten Enseñanzas Oficiales 

Elementales y Profesionales en las 

especialidades de Danza Clásica y 

Española. Cuentan con siete grupos de 

enseñanzas no oficiales de Pre-Ballet 

de entre cinco y siete años. En total, 

casi trescientos alumnos. 

Bajo la línea de la actual dirección, 

cabe destacar, la importancia que se le 

otorga al hecho de que al término de 

las E.E elementales todos los alumnos 

tengan adquirida la disciplina y los 

recursos técnicos y artísticos para 

poder abordar las E. Profesionales con 

plena capacidad. Ya en E. 

Profesionales, deben superar nuevos 

retos técnicos, artísticos y humanísticos. 

Muy importante también el aprendizaje 

escénico. Para ello hacen uso 

del escenario del Auditorio Municipal 

todos los martes. A lo largo del presente 

curso, se va a producir entre otros 


nº24_2009

proyectos, un Ballet Sinfónico en colaboración 

con el Conservatorio 

Superior de Música de Valencia 

(Juaquín Rodrigo). Se trata de una producción 

en toda regla, desde los ensayos 

con la orquesta hasta los mínimos 

detalles de atrezzo, vestuario, luces, 

decorados, publicidad, etc. Las coreografías 

son originales de los Jefes de 

Taller, Marta Fernández y Carlos 

Labiós, y uno de los profesores de 

Contemporáneo; Yoshua Cienfuegos, 

recientemente galardonado por la 

Generalitat Valenciana. También viajarán 

a Francia para asistir al Stage en 

el Centre Choregraphique National de 

Roubaix, al cual han sido invitados. 

Llevarán fragmentos del Sombrero de 

Tres Picos y de Polichinella. A todo 

esto, hay que añadir las habituales 

participaciones del Taller Coreográfico 

en diferentes eventos de ámbito municipal, 

Festivales, día Internacional de 

la Danza y colaboraciones con otros 

centros de la Comunidad Valenciana. 

Conscientes del esfuerzo económico 

que las familias hacen para que sus 

hijos puedan estudiar danza, la 

Concejalía de Cultura ha dispuesto 

algunas becas y bonificaciones como 

la de matrícula gratuita, estancia en el 

Taller del Ballet Nacional de España, 

beca para el cursillo de verano del 

Conservatorio y la bonificación del 

cincuenta por ciento en las mensualidades 

para todos los alumnos varones 

del centro. Esperan así paliar un poco 

las dificultades económicas y facilitar a 

los varones, que (tan escasos andamos 

siempre), el estudio de la danza. 

Se está negociando con el AMPA 

(Asociación de madres y padres de 

alumnos) ayudas para vestuario que 

posiblemente al próximo curso ya 

estarán disponibles. También cuentan 

con la Asociación RIBADANZA. Se 

trata de la asociación de profesores 

del Conservatorio. Con ella han 

encontrado la forma de poder disponer 

de fondos para ayuda económica 

a los alumnos así como para mantener 

una página web con la información 

de todas las actividades del centro 

(www.ribadanza.es) y la posibilidad 

de contactar rápidamente. 

PROBLEMAS DE LA DANZA 

La situación actual de la danza es 

complicada. Somos una minoría elitista 

y muy especializada. Los diferentes 

estilos, tendencias y especialidades 

hacen que nuestro público esté dividido, 

en ocasiones confrontado. Las 

propias alumnas a veces se plantean 

el estudio de las diferentes especialidades 

como prácticas antagónicas. 

Esto es algo que desde la docencia 

debemos erradicar. Danza hay una, y 

todos pertenecemos a ella. 

El problema más importante es la falta 

de tiempo para compaginar los estudios. 

Las alumnas de sexto curso tienen 

22,5 horas de carga lectiva semanal. 

Todo de tres y media a nueve y 

media de la noche, porque por las 

mañanas tienen que ir al instituto. Más 

algún sábado por ensayos o funciones 

del Taller. Se puede entender que no 

todo el mundo puede seguir este 

ritmo. °Deberíamos plantear alternativas 

ya! 

ALUMNOS YA PROFESIONALES 

Actualmente tenemos varios alumnos 

bailando por el mundo. Tenemos a 

Alba Carbonell en la CN2, a Miguel 

Piquer en el Sarassota Ballet en EEUU, 

a Carmen Andrés en el Jeune Ballet de 

Cannes, a Judit Grau en la compañía 

de Víctor Ullate, a Cristian García en el 

Ballet Nacional de España etc, y algunas 

otras de camino en el English 

National Ballet y otros centros en 

Londres. Esperamos seguir en la línea. 

JORNADAS CULTURALES 

En el próximo mes de Junio se convocarán 

las XIII Jornadas Culturales de la 

Danza. En ellas confluyen más de 200 

amantes de la danza en los diferentes 

eventos; Concurso, Maratón, Charlas, 

Encuentros Juveniles y espectáculos, 

tanto en el teatro como por las calles. 

Todo ello en el plazo de una semana 

aproximadamente. Son jornadas 

maratonianas. Obviamente, sin ese 

"Equipo" del que hablábamos al principio, 

sería imposible llevar a cabo tanta 

actividad. Pretendemos abrir fronteras 

a los jóvenes aspirantes a bailarines y 

consolidarnos como un punto de referencia 

en España. De nuestro 

Concurso ya han salido muchos ganadores 

que ahora están bailando por el 

mundo. Ejemplo de ello es nuestra 

compañera Cristina Maiquez, que 

estudió en nuestro conservatorio, ganó 

el segundo premio de nuestro concurso 

y tras bailar once años en Theater & 

Philharmonie Thuringen en Altenburg- 

Gera, Leipzig, ahora forma parte del 

claustro. 

LOS PROFESORES 

Indudablemente, nada se podría hacer 

si los alumnos no llegan bien preparados 

de las Enseñanzas Elementales, la 

disciplina y las bases técnicas deben 

ser objetivo principal en estas enseñanzas 

por lo que consideramos de 

vital importancia el trabajo de todos 

los profesores que de forma discreta, 

hacen una magnífica labor docente. Al 

frente de los Talleres, profesores con 

amplia experiencia escénica. Todos 

juntos, como "Un buen equipo" esperamos 

seguir trabajando por y para la 

danza. 


nº24_2009

MEDICINA Y DANZA 

SÍNDROME DE LOS 

ISQUIOTIBIALES CORTOS 

Por Antonio Díaz Pérez 

Médico Especialista en Traumatología y Cirugía Ortopédica 

El síndrome de los isquiotibiales 

cortos es una alteración funcional 

de frecuente aparición entre los 6 

y los 16 años, que consiste en una pérdida 

de la elasticidad con acortamiento 

o retroacción de los músculos de la 

cara posterior del muslo, los isquiotibiales 

o isquiosurales. Ocasiona una 

limitación de la extensión de la rodilla 

cuando la cadera está flexionada o una 

limitación de la flexión de la cadera 

cuando la rodilla está extendida. 

Su importancia viene determinada no 

sólo por su frecuencia, se encuentra 

alrededor del 20% de la población 

joven, sino también por las alteraciones 

que este síndrome puede ocasionar 

sobre un raquis en crecimiento y por las 

alteraciones en la postura en el bailarín 

de ballet, como ahora diremos. 

RECUERDO ANATÓMICO 

Los tres músculos que reciben la denominación 

de isquiotibiales son: 

- El bíceps crural. 

- El semitendinoso. 

- El semimembranoso. 

Todos ellos tienen su origen en la tuberosidad 

isquiática del hueso iliaco, 

excepto la porción corta del bíceps crural 

que tiene su origen en el borde posterior 

del fémur. Los músculos semitendinoso 

y semimembranoso se insertan 

en la tuberosidad interna de la tibia, 

formando junto con el sartorio la llamada 

"pata de ganso"; el bíceps crural 

se inserta en la cabeza del peroné. 

En cuanto a las funciones de estos músculos 

biarticulares, aplicables a la 

danza son la extensión de la cadera, la 

flexión de la rodilla y la función postural 

al mantener la pelvis en equilibrio 

evitando, en la bipedestación, la vasculación 

anterior del tronco. En el arabesque 

y sobre todo en la attitude arrière 

es donde tienen su mayor función este 

grupo muscular. Recordemos que el 

arabesque es una de las posiciones 

más bellas del ballet. El bailarín debe 

encontrarse perfectamente equilibrado 

sobre una pierna con la otra extendida 

hacia atrás, mientras que los brazos se 

extienden en armonía con las piernas. 

Los músculos isquiotibiales tienden a 

perder elasticidad de forma natural 

durante cualquier "estirón" en el crecimiento, 

como lo hacen los restantes 

grupos musculares. Esto se debe a que 

durante dichos "estirones", los huesos 

crecen más rápidamente que los tejidos 

blandos. Una vez que el crecimiento se 

haya detenido se irá recuperando la 

flexibilidad. Esta falta de elasticidad 

predispone a lesiones de estos músculos 

isquiotibiales como son los "tirones o 

desgarros". 

ETIOLOGÍA 

El origen de esta pérdida de elasticidad 

se puede encontrar, en la mayoría de 

las ocasiones en deportes que producen 

aumento de la potencia muscular 

(carreras, saltos, ciclismo) o que su 

gesto técnico fundamental es una aproximación 

del origen e inserción de estos 

músculos (patinaje, jockey, ciclismo) y 

sobre todo cuando estos niños y adolescentes 

no realizan los suficientes estiramientos, 

tanto en la fase de calentamiento 

como de enfriamiento, aplicable 

esto al mundo de la danza tanto en 

ensayos como en actuaciones. 

Las repercusiones en la columna vertebral 

que este síndrome puede originar 

son de tipo estático y dinámico. Desde 

el punto de vista estático, el acortamiento 

puede provocar un aumento de 

la cifosis dorsal; y entre las repercusiones 

dinámicas, una inversión del raquis 

lumbar, es decir, una actitud cifótica 

lumbar. 

DIAGNÓSTICO 

El diagnóstico de este síndrome se realiza 

exclusivamente por medio de la 

exploración clínica o física, ya que el 

estudio radiográfico convencional sólo 

nos sirve para diagnosticar y cuantificar 

las alteraciones que sobre columna y 

pelvis puede provocar el síndrome. 

Otras exploraciones como la ecografía 

muscular y la resonancia magnética 

pueden poner de manifiesto alteraciones 

o lesiones en estos músculos. Se 

dispone de varios test de muy fácil realización 

y para los que el único material 

que utiliza el médico o el fisioterapeuta 

es un goniómetro y una cinta métrica: 

elevación de la pierna recta, medición 

del ángulo poplíteo, distancia dedos 

mano - dedos pie en bipedestación y en 

sedestación, etc. 

TRATAMIENTO 

El tratamiento de este síndrome es competencia 

del médico rehabilitador. 

Dicho tratamiento consiste en estirar la 

musculatura de la cara posterior del 

muslo. Es útil cuando se realiza en edades 

tempranas y cuando las alteraciones 

que ocasiona son funcionales y 

todavía no se han estructurado. Estos 

estiramientos aumentan la flexibilidad 

de los tejidos muscular y conjuntivo, 

mejorando de esta manera la movilidad 

general y proporcionando a los 

músculos cierta reserva de elasticidad. 

También influyen, de manera positiva, 

sobre la extensibilidad de los isquiotibiales, 

las carreras y trotes de calentamiento. 

Los estiramientos que se realizan 

son de dos tipos: 

- Estiramientos estáticos: Los músculos 

se estiran hasta el máximo y se mantiene 

la posición entre 15 y 30 segundos. 

La sensación no deberá llegar a producir 

dolor. 

- Facilitación neuromuscular propioceptiva. 

Se realiza un estiramiento muscular 

activo durante 6 segundos. Luego, 

con ayuda de otro fisioterapeuta, se 

realizan contracciones isométricas a 

cargo de los músculos antagonistas, 

seguidas por un estiramiento complementario. 

El masaje previo a los estiramientos 

favorece la extensibilidad de los músculos, 

mejora la calidad de los estiramientos 

y evita las pequeñas lesiones 

musculares que con éstos pudieran 

acaecer. 


nº24_2009

LA COLUMNA 

UN MINUTO PARA LA DANZA 

Por Gabriel Martín Olivares 

Una de las escasas ocasiones en 

que el ciudadano de a pie tiene 

oportunidad de expresar su opinión 

de forma directa, sin verse mediatizado 

por partidos políticos, medios de 

comunicación o grupos de presión es al 

aportar su firma para la consecución de 

un objetivo concreto. 

¿A quién no le han pedido alguna vez 

que ponga su autógrafo al servicio de 

tal o cual causa Tenemos entonces la 

sensación de que, por una vez, podemos 

manifestar clara y libremente 

nuestra voluntad, y de que ésta podría, 

quizá, llegar a realizarse. 

Desgraciadamente, son muchas las listas 

repletas de firmas -a veces con cientos 

de miles de ellas- que acaban en la 

papelera de nuestras instituciones. Y no 

digamos ya, si dichas instituciones 

están relacionadas con la cultura. Los 

cargos culturales parecen venir provistos 

de una coraza en la que rebotan las 

firmas sin dejar un solo rasguño. 

Es por eso que hay que ir más allá, hay 

que buscar nuevas formas de reivindicación, 

de hacer llegar la voluntad de 

los ciudadanos "a quien corresponda". 

Y ahí encaja Invasión Danza. Un movimiento 

que empezó con la ocupación 

pacífica de los espacios cotidianos para 

recordar a todos que la danza existe. Y 

que existe a pesar de su ausencia en el 

medio de comunicación mayoritario. 

Las televisiones públicas tienen la responsabilidad 

y el deber de promover la 

cultura y las artes, y una de las manifestaciones 

artísticas más destacadas es la 

danza. Y no destaca sólo por su belleza 

o su plasticidad, sino porque además 

es un lenguaje universal, cuya 

capacidad de expresión está por encima 

del idioma, del país, de la edad o 

del nivel educativo: el gesto es la forma 

de comunicación más antigua, y seguramente 

la más fácil de entender. 

Donde la lengua divide, el gesto acerca. 

Por eso la danza es tan importante. 

Y por lo mismo, es importante su conocimiento 

y su difusión. La danza española, 

la contemporánea, el ballet clásico, 

el flamenco… Nada de esto se 

puede encontrar en televisión, excepto 

de vez en cuando en algún canal privado. 

Los deportes, incluso los menos 

populares, encuentran siempre hueco 

en las cadenas. Pero la danza permanece 

ausente. Tan sólo a veces se emite 

la reseña de algún espectáculo puntual, 

tan breve, que nos parece un 

espejismo. 

Ahora, Invasión Danza ha abierto un 

nuevo cauce para reivindicar la existencia 

de la danza y exigir su presencia en 

las televisiones públicas: "Un Minuto 

Para la Danza". La iniciativa consiste en 

la recogida de video-firmas, de aproximadamente 

un minuto de duración, en 

las que se piden espacios televisivos 

dedicados a la danza. Estas video-firmas 

pueden enviarse al apartado 

"Invasión Danza" de la página web 

"Eter.com Danza", donde quedan así 

colgados los testimonios de apoyo de 

aficionados, coreógrafos, bailarines, 

profesores y críticos, de todos aquellos 

que aman este arte y que consideran 

que debe ocupar el lugar destacado 

que merece. No se puede privar a las 

nuevas generaciones del derecho a 

conocerlo y valorarlo. Debemos ser 

conscientes de que vivimos en el siglo 

de la imagen, y en este contexto, lo que 

no se ve, no existe. 

No son precisos grandes medios: una 

pequeña cámara digital o un móvil 

bastan para unirnos a esta iniciativa y 

para sumar nuestro apoyo al de 

muchos. Ya hay video-firmas de gente 

muy importante en este mundillo, pero 

que eso no espante a nadie, porque 

todos los que envían su apoyo, ya sean 

conocidos o desconocidos, tienen en 

común un mismo deseo: por favor, 

pongamos un poquito más de danza 

en nuestras vidas. 

LA TIRA 

Por Fredy Rodríguez 

Fredy 


nº24_2009

UNESCO 

CONSEJO INTERNACIONAL DE LA DANZA - CID 

(2ª Parte) 

El Consejo Internacional de Danza - 

CID es la Organización Oficial que 

cobija todas las formas de Danza 

en todos los países del mundo. El CID 

acoge, une, ampara e impulsa toda iniciativa 

por la Danza, sin ningún tipo de 

discriminación, conforme a los preceptos 

generales de la UNESCO, en la que se 

basa. 

Es una Organización Internacional no 

gubernamental sin fines de lucro fundada 

en 1973 por la UNESCO con oficinas 

centrales en París, que es su Sede. Es el 

foro mundial que une organizaciones 

internacionales, nacionales y locales, así 

como a individuos activos en el ámbito 

de la Danza. El CID representa el Arte de 

la Danza en general y sus miembros son 

federaciones, asociaciones, escuelas, 

conservatorios, instituciones públicas y 

privadas, compañías y personas relacionadas 

con el ámbito de la Danza en más 

de 150 países. 

CID está abierta a la adhesión, aceptando 

personas o instituciones con suficientes 

créditos en el ámbito de la Danza. 

Asimismo está abierta al voluntariado en 

sus diversos programas de actuación 

educativa y sociocultural. 

No está vinculada a ninguna entidad 

particular de danza, escuela, compañía, 

festival ni ninguna otra institución pública 

o privada. Dentro de sus relaciones 

consultivas formales con la UNESCO, el 

CID realiza proyectos financiados por 

UNESCO en sus diversos programas: 

Directorio mundial de la Danza -CID 

Who's Who in Dance ("Quién es quién"). 

Es un Directorio Mundial estrictamente 

no comercial, que incluye a Miembros de 

la Organización, así como 150.000 

direcciones del ámbito de la Danza en 

200 países. Es un servicio ofrecido con la 

finalidad de informar y facilitar el intercambio, 

contacto y cooperación a nivel 

internacional. 

Congresos mundiales de investigación. 

Es la mayor convocatoria mundial existente 

en el ámbito de la Danza, a la que 

anualmente están convocados profesionales, 

profesores, coreógrafos, maestros, 

investigadores, periodistas, gestores, 

proveedores, organizadores y un 

largo etcétera de personas y entidades 

relacionadas con la Danza en el mundo, 

y en representación de todas las formas 

y tipos de danzas. Las Actas del 

Congreso son editadas y publicadas 

para su distribución pública. 

Congresos, seminarios y simposium 

internacionales de Danza. 

Desarrollados a nivel internacional en 

los países en que se convocan a propuesta 

de las distintas Delegaciones y 

Secciones del CID, con un formato básico 

similar al Congreso Mundial, pero 

adaptado a las necesidades, particularidades 

y preferencias del ámbito dancístico 

en el país anfitrión. Actualmente, El 

CID trabaja, entre otros países, en la 

organización en España del "I Congreso 

Internacional de Danza CID-ESPAÑA. 

Festivales y espectáculos internacionales. 

Dotación económica, apoyo, auspicio e 

impulso de producciones escénicas, 

espectáculos de diversos formatos escénicos, 

intercambios de programaciones 

internacionales, colaboraciones con convocatorias 

nacionales e internacionales. 

Programas Artísticos de ayuda e implementación 

a colectivos y países desfavorecidos. 

Programas educativos. 

Dotación económica, apoyo, auspicio e 

impulso de de Programas Educativos 

desarrollados a través de la Danza. 

Programas Educativos de ayuda e implementación 

a colectivos y países desfavorecidos. 

Ediciones y publicaciones. 

Edición y publicación de obras escritas y 

audiovisuales relacionadas, desde alguna 

perspectiva científica, literaria o artística 

con la Danza. 

Danza y Poesía. 

Un ejemplo de la labor de interrelación 

artística se desarrolla respecto a la vinculación 

entre Danza y Poesía. El CID ha 

publicado hasta el momento 3 

Antologías de la Poesía de la Danza 

(poesía en inglés, francés y griego). 

Actualmente se prepara la edición en 

España de la "Antología de la Poesía 

Hispánica de la Danza", cuya presentación 

se anunciará en breve. 

Colecciones y Biblioteca virtual. 

Gran colección filatélica sobre la Danza. 

Información general, catálogos e indicaciones 

para el coleccionismo sobre el 

tema común de la Danza. 

Libros, revistas y DVDs escritos o editados 

por Miembros del CID son catologados 

y relacionados para su circulación, 

de manera totalmente gratuita, por todo 

el mundo. De esta forma se fomenta el 

contacto directo con los diversos autores 

y editores. 

Programa "Mobilidad para la Danza". 

Intercambios y visitas entre coreógrafos, 

maestros, compañías e investigadores 

de diferentes países. Desde 1990 se 

realizan cerca de 50 interrelaciones 

anuales. 

Galería, archivo y audiovisuales de 

Historia de la Danza. 

Series de CD-ROM especializados en el 

Arte de la Danza. CID tiene editados y a 

disposición 7 CD-ROM hasta el momento, 

que contienen más de 14.000 imágenes 

y documentos. Archivo sobre orígenes 

y fuentes de innumerables danzas 

del mundo, en distintos idiomas, que 

incluye documentos y textos relativos a 

la Danza anteriores a 1900. 

Coreografías y producciones escénicas 

en formato de video o DVD que incluye 

la participación de 50 países desde el 

año 1985. 

Danzatreca. 

Librería virtual que incluye videos y DVD 

con grabaciones sobre el Patrimonio de 

la Danza, distribuida directamente por 

cada productor. 

Día mundial de la Danza. 

El 29 de abril, como cada año desde 

1982, la comunidad internacional de 

instituciones, profesionales y aficionados 

celebran el Día de la Danza, celebración 

de especial relieve para la 

Organización. 


nº24_2009

Donaciones para el Museo 

¿QUÉ ES LA CASA DE LA DANZA 

Es un proyecto activo cuyo objetivo es acoger, 

estudiar y difundir el arte de la Danza 

en cualquiera de sus expresiones. Un 

espacio abierto y versátil, que alberga: 

una biblioteca, una videoteca, un amplio 

fondo sonoro y una sala de exposicionesmuseo 

(colecciones permanentes y temporales) 

donde los profesionales, los aficionados, 

los estudiantes o los simples paseantes 

pueden descubrir aspectos nuevos 

así como el profundizar en las variadas 

técnicas y dimensiones de la propia 

Danza. 

Esta iniciativa, nacida al amparo de una 

Asociación sin ánimo de lucro -En Escenay 

con el firme apoyo del Excmo. 

Ayuntamiento de Logroño, también tiene 

que encontrar su verdadero motor de funcionamiento 

en el decidido apoyo social. 

Haciéndote ''AMIGO DE LA CASA DE LA 

DANZA'' participarás en este proyecto cultural 

colaborando en el mantenimiento de 

su estructura. La aportación que tu elijas se 

canalizará hacia campos puramente divulgativos 

de la Danza. 

Para hacerte amigo de la Casa de la 

Danza, envía tu nombre, dirección , teléfono, 

y mail a La Casa de la Danza c/Rua 

Vieja 25, 26001 Logroño (La Rioja) 

*Todos los datos de esta solicitud serán 

tratados de forma estrictamente confidencial. 

Y en cualquier momento tienen derecho 

a acceder, rectificar o cancelar sus 

propios datos (Ley Orgánica 15/1999 de 

13 de Diciembre) escribiendo a: 

C/Ruavieja, 25. 26001 Logroño. La Rioja. 

ACTIVIDADES: 

“Tardes con la Danza ”. Durante los 

meses de abril, mayo y junio se proyectará 

en la Casa de la Danza una selección 

de danza clásica y contemporánea los 

lunes, miércoles y viernes a las 18h. 

VISITAS: 

Los escolares de primero, segundo, tercero 

y cuarto de primaria pueden disfrutar de 

los fondos del museo. 

Concertar en el teléfono: 941 246 365. 

Días: martes y jueves de 10 a 12. 

Roser Muñoz, Onegin. 

Joan Boix y Roser 

Muñoz (Ex-Bailarines 

Principales del Ballet de 

Leipzig) han donado al 

Museo de la Casa de la 

Danza de Logroño, un 

par de trajes del repertorio 

que utilizaron durante 

su permanencia en 

las filas de esta formación 

alemana. Roser 

Muñoz el traje que 

Tatiana utilizaba en el tercer acto del Ballet Onegin y Joan Boix la casaca del 

Principe Sigfried del Lago de los Cisnes. Dos piezas originales que ya se pueden 

contemplar en el Museo. Este generoso gesto nos permite incrementar la 

colección de piezas permanentes en la exposición de trajes. Por lo que aprovechamos 

para darles las gracias por tan preciosa donación e invitar a otros artistas 

a colaborar con posibles donaciones para que los amantes de la danza que 

se acercan hasta nuestra ciudad puedan disfrutar de los fondos del Museo. 

Libros 

WALDEEN: LA CORONELA DE LA DANZA MEXICANA 

Biografía e historia de la danza 

César Hidalgo Martínez. Editorial Escenología AC (México) 

Un libro en el que se aborda la vida y obra de una de las pioneras 

de la danza moderna en México. La Maestra Waldeen 

creó en 1940 La Coronela, obra maestra que fue el punto de 

partida de la danza moderna mexicana en su etapa nacionalista. 

Además el texto recorre la memoria de la danza latinoamericana 

en los últimos quince años. 

DANZA DE ORIENTE Y DANZA DE OCCIDENTE 

Tratado antropológico y filosófico de danza. 

Jacinto Choza y Jesús de Garay. Editorial Thémata. 

La danza es una de las raíces del lenguaje, y aunque lenguaje 

y cultura los hay dondequiera que haya hombres, 

hay formas particulares de danza por su vivacidad, su profundidad, 

su suavidad y delicadeza, su brillantez o su ritmo. 

Los autores de este volumen son profesores dedicados a la 

filosofía antigua, clásica y oriental, a las lenguas clásicas, 

semíticas y modernas, a la filosofía de la cultura y del arte y a 

la antropología cultural y filosófica. 

LA DANZA OCÉANA 

Historia danza moderna americana. 

Claude Pujade-Renaud 

(Traducción de Solange Lebourges y Dolores Ponce) 

Un libro inédito con todo el valor de la pluma de este gran 

erudito de la danza española. Vicente Marrero realiza un 

análisis profundo del arte español y relata sus impresiones 

sobre los grandes artistas de su tiempo, a los que tuvo el 

place de frecuentar como Vicente Escudero, Carmen 

Amaya, Antonio y Mariemma, entre otros. 

*Estos libros se pueden consultar en la biblioteca de la Casa de la Danza 

Joan Boix, El lago. 


nº24_2009

CALENDARIO / ABRIL, MAYO Y JUNIO / 2009 

03.04 

Gandía (Valencia) 

Tierra 

OTRA DANZA 

Teatro Serrano 

21.04 

Vigo 

'Divergence' y 'Nosotros' 

HOUSTON BALLET 

Centro Cultural Caixanova 

08.05 11.05 

Barcelona 

Paso Doble 

JOSEF NADJ / MIQUEL BARCELÓ 

Teatre Lliure 

24.05 

Vigo 

Animales Artificiales 

MATARILE TEATRO 

Centre Cultural Caixanova 

03.04 al 05.04 

Las Palmas de Gran Canaria 

Desordances3 

DANI PANULLO DANCETHEATRE 

Teatro Cuyas 

22.04 

Pamplona 

Rain. Como lluvia en tus ojos 

CIRQUE ÉLOIZE 

Baluarte 

09.08 10.05 

Valladolid 

El patito feo 

BALLET DE CARMEN ROCHE 

Teatro Calderón 

26.05 

Oviedo 

Mujeres 

MARIO MAYA 

Teatro Campoamor 

04.04 

Vitoria 

HNUY ILLA 

Kukai-Tanttaka 

Teatro Principal 

22.04 

A Coruña 

'Divergence' y 'Nosotros' 

HOUSTON BALLET 

Teatro Rosalía de Castro 

10.05 

Tarrasa (Barcelona) 

Bodas de Sangre 

COMPAÑÍA ANTONIO GADES 

Centro Cultural Caixa Terrassa 

03.06 

Cádiz 

Pasos para dos 

ROSARIO TOLEDO Y ANA SALAZAR 

Gran Teatro Falla 

04.04 

Segovia 

Homenaje a Antonio Ruiz 

ANTONIO MÁRQUEZ 

Teatro Juan Bravo 

24.04 

Pinto (Madrid) 

Jazzing Flamenco 

ANTONIO NAJARRO 

Teatro Francisco Rabal 

11.05 al 16.05 

Madrid 

Romeo y Julieta 

BALLET DE LA ÓPERA DE STUTTGART 

Teatro Real 

06.06 al 07.06 

Murcia 

Kindertotenlieder 

GISÈLE VIENNE / COMPAGNIE DACM 

Centro Párraga 

10.04 

A Coruña 



Teatro Rosalía 

24.04 

Ferrol 

Cos pés na terra (e só cos pés) 

D2 

Centro Torrente Ballester 

13.05 

Málaga 

EL CIELO DE TU BOCA 

Andrés Marín 

Teatro Cánovas 

08.06 

Córdoba 

La ratita presumida 

ALADETRÉS ¡DANZA! 

Gran Teatro 

14.04 


Puertas adentro 

ANTONIO EL PIPA 

Teatro Cánovas 

24.04 

Leoia (Vizcaya) 



Centro Cultural 

13.05 

Pontevedra 

BALLET FOLKÓRICO NACIONAL DE 

CUBA 

Centro Social Caixanova 

12.06 al 14.06 

San Sebastián 

Antonio 

COMPAÑÍA ANTONIO MÁRQUEZ 

Victoria Eugenia 

16.04 

Alicante 

Giselle (2º acto) + Divertimento 

BALLET DE CAMAGÜEY 


24.04 al 25.04 

Sevilla 

No pesa el corazón de los veloces 

ERRE QUE ERRE CÍA DE DANZA 

Teatro Central 

13.05 al 16.05 

Madrid 

Romeo y Julieta 

BALLET DE STUTTGART 

Teatro Real 

14.06 al 17.06 


Sevilla-Madrid-Sevilla 

BALLET NACIONAL DE ESPAÑA 

Teatro de la Maestranza 

17.04 al 18.04 

Gijón 

Loin 

RACHID OURAMDANE 

La Laboral 

24.04 al 25.04 

Córdoba 

Requiem por un campesino español 

CARMEN CORTÉS 

Gran Teatro 

14.05 al 31.05 

Barcelona 

L'enigma 

SOL PICÓ 

Teatre Nacional de Catalunya 

15.06 al 16.06 


Coppélia 

BALLET DE VÍCTOR ULLATE 

Teatro Municipal Miguel de Cervantes 

17.04 al 19.04 

Toledo 

Giselle 


Teatro Rojas 

25.04 

Lleida 

SOL PICÓ 

Teatre Municipal de L'Escorxador 

16.05 

Pozuelo de Alarcón (Madrid ) 

Escuela Bolera 

BALLET NACIONAL DE ESPAÑA 

Teatro Mira 

19.06 

Orense 




17.04 al 19.04 



MARÍA PAGÉS 

Teatro Cuyás 

02.05 

Colmenar Viejo (madrid) 

10 años + ... 

SANTAMARÍA CÍA. DE DANZA 

Auditorio Villa de Colmenar Viejo 

18.05 al 31.05 

Barcelona 

Serrat balla 

COLOR DANSA 

Teatro Tivoli 

26.06 al 27.06 

Gijón 

Jerk 

GISÈLE VIENNE / COMPAGNIE DACM 

La Laboral 

20.04 

Madrid 

Giselle 


Teatro Gran Vía 

08.05 al 10.05 


Metamorphoses 

BALLET NACIONAL DE MARSEILLE 

Teatro Cuyas 

22.05 

Móstoles (Madrid) 

Little Street Pieces 

DANI PANNULLO DANCETHEATRE CO. 

Teatro Villa de Mostoles 

27.06 

Arganda del Rey (Madrid) 

Little Street Pieces 

DANI PANNULLO DANCETHEATRE CO. 

Teatro Municipal Victor Jara 

FESTIVALES / ABRIL, MAYO Y JUNIO / 2009 

30.01 al 21.06 

MADRID: 

DISTRITO DANZA 

www.esmadrid.com 

25.04 al 17.05 

VALENCIA: 

DANZA VALENCIA 

www.centrocoreograficotgv.com 

25.06 al 14.07 

GRANADA: 

FESTIVAL DE MUSICA Y DANZA 

www.granadafestival.org 

06.03 al 26.04 

NAVARRA: 

FESTIVAL DE DANZA EN ESCENA 

www.navarra.es/danza/ 

11.05 al 1.06 

MADRID: 

IV FESTIVAL FLAMENCO 

www.madrid.org 

26.06 al 28.06 

BILBAO: 

LEKUZ LEKU 

www.lekuzleku.com 

(Fechas pendientes de confirmar) 

BARCELONA: 

FESTIVAL GREC 

www.barcelonafestival.com 

13.04 al 03.05 

MADRID: 

MADRID EN DANZA 

www.madrid.org 

06.06 al 07.06 

MADRID: 

MARATÓN DE DANZA 

www.teatromadrid.com 

27.06 al 12.07 

POZUELO (MADRID): 

POZUELO ESCÉNICA 

www.pozueloescenica.com 


nº24_2009 

Ilustración: Sol Undurraga

Vitrinas abiertas 

Antonio Márquez 

Por Ana Isabel Elvira 

Por aquello de las coincidencias, 

algunos creen que Antonio Márquez 

podría ser el "alter ego" de Antonio 

Ruiz Soler. Ambos proceden de la misma 

ciudad, fueron bautizados con el mismo 

nombre y han sido, o siguen siendo, 

artistas carismáticos, temperamentales y 

apasionados en la escena. De esos que 

levantan al público de los asientos. 

Lo cierto es que Márquez nació en Sevilla 

en 1963, pero su familia se trasladó a 

Ibiza y fue en esta isla donde inició sus 

estudios de danza con María Martín y 

Paco Torres. A los 18 años decidió cambiar 

su vida, se afincó en Madrid y continuó 

su formación con grandes maestros 

de la danza como Victoria Eugenia, 

María Magdalena, Aurora Pons, José 

Granero, Juana Taft, Merche Esmeralda, 

Ciro, Paco Romero y Pedro Azorín. 

Casi recién llegado a la capital, en 

1981, bailó en el Ballet de Paco Ruiz y 

en el Ballet de Rafael Aguilar. Un año 

después ingresó en Ballet Nacional de 

España, donde fue nombrado solista en 

1985. Durante su etapa en esta compañía 

Antonio Márquez interpretó 

importantes roles que le permitieron 

darse a conocer y exhibir sus grandes 

dotes técnicas e interpretativas. Entre los 

papeles más destacados de esa etapa 

se pueden citar Soleá, Los Tarantos o 

Don Juan, obras con las que pudo mostrar 

su ya atractiva y deslumbrante presencia 

escénica. 

Tras solicitar una excedencia en la compañía 

nacional en 1991, se incorporó 

como primer bailarín al Ballet Español 

de Madrid. En esta agrupación interpretó 

varias obras del maestro José 

Granero, entre ellas su versión de 

Hamlet con música de Emilio de Diego. 

Al año siguiente fue invitado por Merche 

Esmeralda, entonces directora del Ballet 

de la Región de Murcia, para realizar el 

papel de Jasón en Medea. Ese mismo 

año viajó a Japón para protagonizar El 

forastero de Santiago (Sakamoto/Yoko 

Seansai) y participó en diversas galas en 

las ciudades de París, Trieste y Lión. 

Su regresó al BNE en 1993 fue en calidad 

de artista invitado. Eso supuso que 

se crearan algunas obras especialmente 

para él, como La oración del torero 

(Turina/Victoria Eugenia). No dejó de 

aprovechar las ocasiones que se presentaban 

y también participó en el espectáculo 

Los Divinos, retransmitido por TVE. 

En 1995 decide crear su propia agrupación: 

la Compañía de Antonio Márquez. 

Ese mismo año presenta de su primer 

espectáculo Movimiento Perpetuo en el 

Teatro de la Maestranza de Sevilla. 

Desde entonces las producciones de su 

compañía han ido sucediéndose temporada 

tras temporada y eso le ha permitido 

hacer gala no sólo su amplio registro 

interpretativo, sino también de su capacidad 

creativa y sus dotes como director. 

Artista versátil e inquieto, nunca ha limitado 

su actividad artística y ha alternado 

sus compromisos en la compañía con 

otras propuestas como la realización de 

coreografías para películas (La Traviata 

de Giuseppe Patroni Griffi) o para producciones 

teatrales (Carmen, La Traviata, 

El barbero de Sevilla y Don Quijote). 

Aúna en sí mismo las figuras de bailaor, 

bailarín, intérprete y coreógrafo. Es por 

ello que Antonio Márquez no puede ser 

fácilmente clasificado, aunque sí ha sido 

plenamente reconocido. No sólo en 

España sino también en el extranjero. 

Entre los más destacados galardones 

que ha recibido se encuentran el premio 

Nureyev (1997), el premio Nijinsky al 

mejor espectáculo por Zapateado 

(2000), el premio al mejor espectáculo 

en el Festival de Jerez por Después de 

Carmen (2000), el Primer Premio 

Festival Jerez por Boda flamenca (2003) 

y el premio Leonide Massine (2005). 

Curiosamente, el último gran éxito de su 

compañía ha sido el espectáculo 

Antonio, estrenado el pasado año. La 

propuesta, según sus propias palabras, 

pretende recuperar la figura de Antonio 

"El Bailarín" para las nuevas generaciones 

y al mismo tiempo hacer un homenaje 

a los grandes maestros de la danza 

española: Pilar López, José Granero… 

¿Será por aquello de las coincidencias 

©Miguel Blanco para Mestre 

“En el Museo de la Casa de la 

Danza se puede ver: "Chaleco 

en rojo bordado en oro con el 

que Antonio Márquez bailó su 

"Boda flamenca". 

©Danza en escena 


nº24_2009

Breves 

4º Edición de DANZAINFIERA. 

Del 19 al 22 de febrero 

se ha celebrado en 

Florencia (Italia) la 4º edición 

de danzainfiera. 

Cuatro días de eventos 

relacionados con la danza: 

espectáculos, exhibiciones, 

cursos, conferencias, concursos, 

etc. Ésta última edición 

ha finalizado con un 

gran éxito, consolidándose 

en su cuarto año. Más de 

160.000 visitantes, 10.000 

bailarines y otros 250 

expositores, con un centenar 

de eventos. 

DUATO muestra las entrañas de la danza. 

Hace unas semanas comenzaron los ensayos con los bailarines 

de la Compañía Nacional de Danza. La última 

etapa del proceso, a poco más de un mes del estreno en 

Madrid de la nueva obra de Duato. Es además la fase más 

intensa, cuando el trabajo de todos los equipos confluye en el 

estudio de danza: bailarines, técnicos, asistentes, asesores, 

diseñadores, fotógrafos. En esta ocasión, un testigo silencioso 

graba con una cámara todo lo que ahí ocurre para volcarlo 

en el nuevo videoblog público de la compañía. Una especie 

de making off in progress que desgrana las entrañas de 

la danza ofreciendo desde dentro lo que el público nunca 

puede ver: el día a día del nacimiento de una coreografía. 

JUAN CARLOS SANTAMARÍA Y RUBÉN OLMO, 

Premios "VILLA DE MADRID 2008". 

El pasado 9 de marzo, el Alcalde de Madrid, D. Alberto Ruíz- 

Gallardón, hizo entrega de los Premios Villa de Madrid para 

reconocer a los profesionales de la creación coreográfica, la 

comunicación, la investigación y la producción cultural su trabajo 

en la Comunidad de Madrid. Los jurados convocados para la 

concesión de estos galardones de danza consideraron otorgarlos 

a Juan Carlos Santamaría (Premio Coreografía de Danza 

"Antonio Ruiz Soler") por su "Romeo & Julieta; y a Rubén Olmo 

(Premio Interpretación "Pilar López") por su trabajo en la obra 

"Pinocchio". 

MÚSICA Y DANZA en ESO y Bachillerato. 

El Ministerio sacará a la luz en breve este Real Decreto. Por 

fin todos aquellos alumnos que hayan cursado enseñanzas 

profesionales de Música y Danza, o las estén cursando en la 

actualidad, van a poder convalidar estos estudios con determinadas 

asignaturas de la ESO o del Bachillerato. El Ministerio 

ha elaborado un proyecto de Real Decreto que recoge detalladamente 

las condiciones de estas convalidaciones o exenciones. 

El objetivo es reducir la alta tasa de abandono del 

Conservatorio que se produce cuando los alumnos están a 

punto de finalizarlo y empiezan a estudiar Bachillerato, porque 

les resulta imposible compatibilizar ambos estudios. 

Nueva COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA CLÁSICA. 

El bailarín y coreógrafo Víctor Ullate anunció en Gijón que en 

junio de 2010 "morirá" la compañía que dirige hasta ahora 

para poner en marcha la nueva Nacional de Danza Clásica. 

Un proyecto que dará sus primeros pasos a finales del próximo 

año. Ullate explicó que los bailarines de su actual compañía 

serán el "embrión" de la nueva, aunque también se llevarán a 

cabo audiciones a finales de año. Además, reconoció que este 

nombramiento le llena de satisfacción y se marcó como objetivo 

el tratar que todos los bailarines y coreógrafos españoles 

que están fuera de España tengan un puesto en esta nueva 

compañía y que los que decidan quedar fuera puedan venir a 

bailar en ella. 

DA.TE DANZA. Funcion 1000. 

El Teatro Alhambra acogió en 

Navidad la función número 

mil de la compañía profesional 

de danza contemporánea Da.Te 

Danza. Los días 26, 27 y 28 de 

diciembre han supuesto la rúbrica 

a un proyecto que nacía en 

1999 con unas limitaciones que 

sólo el esfuerzo de sus integrantes 

ha podido contrarrestar. Si 

bien la compañía ha danzado 

en países como Rusia, Turquía, 

Francia... y por supuesto toda la 

geografía española; representar 

la número mil en Granada 

supone ser profeta en su tierra. 

Fallecen SHAMIL TEREGULOV, PEARL LANG Y 

FLEMMING FLINDT 

El pasado 28 de Noviembre falleció en Ufa (Rusia) el coreógrafo 

y maestro Shamil Teregulov. Actualmente ejercía de 

Director Artístico del Ballet de Bashkirian, compañía de ballet 

clásico de alto nivel, anfitriona del Festival Nureyev. Teregulov 

dedicó su vida a los escenarios como bailarín, maestro y coreógrafo. 

Como representante de la Escuela Rusa de Ballet Clásico, 

era requerido en varios paises para impartir clases magistrales. 

En agosto de 2008 impartió un curso de verano en Madrid, invitado 

por los bailarines Laura 

Hormigón y Óscar Torrado en la 

Sede de Profesionales por la 

Danza. Sus clases eran técnicamente 

precisas, y al mismo tiempo 

de una gran belleza y creatividad. 

En febrero nos dejó la maestra 

Pearl Lang a los 87 años, figura 

fundamental para la danza contemporánea 

en EEUU. Y en 

marzo también fallecía Flemming 

Flindt a los 72 años, bailarín, 

coreógrafo y director del Ballet 

Real Danés a quien se le atribuye 

la primera aparición de un desnudo 

en la danza. 

Shamil Teregulovv 


nº24_2009

ANGULO 

NUEVAS INSTALACIONES en Dr. Múgica, 22 

Telf: 941 223 939 LOGROÑO - LA RIOJA

Formato PDF - Casa de la Danza

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